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mardi 12 avril 2022

Art of Honduras


Art and_architecture_integration_policy/Politique d'intégration de l'art et de l'architecture :
La politique d'intégration des arts et de l'architecture ( français : Politique d'intégration des arts à l'architecture ) est une politique du ministère de la Culture et des Communications du Québec consistant à réserver une partie du budget pour la construction ou l'agrandissement d'un bâtiment gouvernemental ou d'un lieu public à la commission ou l'achat d'œuvres d'art pour ces lieux. Le budget alloué à la commande des œuvres est calculé pour chaque projet de construction, en fonction du coût. Elle équivaut généralement à environ 1 % du coût de construction (c'est pourquoi la politique est parfois appelée la politique de 1 %). Le ministère de la Culture et de la Communication met en œuvre et coordonne la politique.
Art et_culture_en_Espagne_franquiste/Art et culture en Espagne franquiste :
Il faut imposer, en somme, l'ordre de la culture, les idées essentielles qui ont inspiré notre mouvement glorieux, qui allient les leçons les plus pures de la tradition universelle et catholique aux exigences de la modernité L'art et la culture dans l'Espagne franquiste est un terme historiographique, avec peu d'utilité au-delà du placement chronologique des artistes et des événements culturels, ou de l'identification politique. Le terme est utilisé de manière générique, sans impliquer d'évaluation idéologique ou esthétique de l'ensemble de l'art et de la culture de l'Espagne franquiste (1939-1975), qui ne conviendrait qu'à l'art et à la culture plus identifiés au régime franquiste, où d'autres expressions sont parfois utilisées : « L'art et la culture fascistes en Espagne », « L'art et la culture falangistes », ou « L'art et la culture nationalistes-catholiques (nacional-católica) », etc. Les termes «art fasciste espagnol», «peinture fasciste espagnole», «sculpture fasciste espagnole», «architecture fasciste espagnole», «culture fasciste espagnole», «littérature fasciste espagnole», etc., sont rarement utilisés, mais il existe des exemples , comme dans l'écriture de l'historien espagnol Julio Rodriguez-Puértolas. Ces termes ont une large application, qui peut être limitée aux produits culturels plus identifiés avec le falangisme espagnol et les azul (bleu) familias del franquismo (organisations affiliées au franquisme), bien que très souvent ces termes plus spécifiques soient généralisés, pour couvrir l'ensemble des art identifié comme "nacional" ("national") dans l'Espagne franquiste.
Art and_culture_in_the_Gulag_labor_camps/Art et culture dans les camps de travail du Goulag :
L'art et la culture ont pris diverses formes dans les camps de travaux forcés du système du Goulag qui existaient dans toute l'Union soviétique au cours de la première moitié du XXe siècle. Le théâtre, la musique, les arts visuels et la littérature ont joué un rôle dans la vie des camps pour bon nombre des millions de prisonniers qui ont traversé le système du Goulag. Certaines initiatives créatives ont été lancées et exécutées par les prisonniers eux-mêmes (parfois en secret), tandis que d'autres étaient supervisées par l'administration du camp. Certains projets ont bénéficié de prisonniers qui avaient été des artistes professionnels ; d'autres étaient organisés par des amateurs. La forte présence des arts dans les camps du Goulag témoigne de l'ingéniosité et de la résilience des prisonniers, dont beaucoup ont tiré des avantages matériels et un confort psychologique de leur implication dans des projets artistiques.
Droit de l'art et de la culture/Droit de l'art et de la culture :
Le droit de l'art et de la culture est l'ensemble du droit, y compris le droit national et étranger, ainsi que les traités et conventions multilatéraux, qui réglemente et s'applique aux artistes, aux beaux-arts et aux biens culturels. L'art peut exposer les défauts et les libertés de la société et souvent l'expression artistique peut entrer en conflit avec les idéaux culturels et politiques. Pourtant, l'art peut également donner un sens à la loi - faire avancer les dialogues sur l'injustice sociale.
Art et_culture_du_Karnataka/Art et culture du Karnataka :
L'État du sud du Karnataka, en Inde, possède un art et une culture distincts informés par une longue histoire d'ethnies linguistiques et religieuses diverses. Outre les Kannadigas, le Karnataka abrite des Tuluvas, qui se considèrent également comme des Kannadigas. Des populations mineures de bouddhistes tibétains et de tribus Siddhi ainsi que quelques autres groupes ethniques vivent également. Les arts folkloriques traditionnels sont les principales formes théâtrales du Karnataka côtier. La culture théâtrale contemporaine du Karnataka est l'une des plus dynamiques d'Inde avec des organisations comme Ninasam, Ranga Shankara et Rang sur des fondations établies par la Gubbi Veeranna Nataka Company. Veeragase, Kamsale et Dollu Kunitha sont des formes de danse populaires. Bharatanatya bénéficie également d'un large patronage au Karnataka.
Art et_culture_du_Manipur/Art et culture du Manipur :
Quels sont les arts du Manipur
Art et démence/Art et démence :
L'utilisation de l'art dans les soins aux personnes atteintes de démence est un outil précieux pour enrichir la vie des personnes atteintes de démence.
Art et_émotion/Art et émotion :
En psychologie de l'art, la relation entre l'art et l'émotion a récemment fait l'objet d'études approfondies grâce à l'intervention de l'éminent historien de l'art Alexander Nemerov. Les réponses émotionnelles ou esthétiques à l'art étaient auparavant considérées comme une réponse de stimulation de base, mais de nouvelles théories et recherches ont suggéré que ces expériences sont plus complexes et peuvent être étudiées expérimentalement. Les réponses émotionnelles sont souvent considérées comme la clé de voûte de l'expérience de l'art, et la création d'une expérience émotionnelle a été considérée comme le but de l'expression artistique. La recherche a montré que les fondements neurologiques de la perception de l'art diffèrent de ceux utilisés dans la reconnaissance d'objet standard. Au lieu de cela, les régions du cerveau impliquées dans l'expérience de l'émotion et de l'établissement d'objectifs montrent une activation lors de la visualisation de l'art.
Art and_engraving_on_United_States_banknotes/Art et gravure sur les billets des États-Unis :
Au début du XVIIIe siècle en Amérique coloniale, les graveurs ont commencé à expérimenter les plaques de cuivre comme support alternatif au bois. Appliquée à la production de papier-monnaie, la gravure sur plaque de cuivre permettait d'obtenir plus de détails et de production lors de l'impression. C'est le passage à la gravure sur acier qui a permis à la conception et à l'impression des billets de banque de progresser rapidement aux États-Unis au cours du XIXe siècle.
Art et_morale/Art et morale :
L'art et la morale ont été discutés, comparés et liés aussi longtemps qu'ils ont été identifiés comme des concepts.
Art et_partie/Art et partie :
Art and part est un terme utilisé dans la loi écossaise pour désigner l'aide ou la complicité dans la perpétration d'un crime, ou le fait d'être complice avant ou lors de la perpétration du crime. Il n'y a aucune infraction reconnue en Écosse, comme celle d'être un complice après le fait. En vertu de l'article 293 de la loi de 1995 sur la procédure pénale (Écosse), une personne peut être reconnue coupable et punie pour une infraction à toute loi, nonobstant qu'il était coupable d'une telle contravention que l'art et la partie seulement. Sans préjudice du paragraphe (1) ci-dessus ou de toute disposition expresse de toute loi ayant le même effet que la présente sous-section, toute personne qui aide, encourage, conseille, procure ou incite toute autre personne à commettre une infraction aux dispositions de toute loi doit être coupable d'une infraction et passible, sur déclaration de culpabilité, à moins que la loi n'en dispose autrement, de la même peine que celle qui pourrait être infligée en cas de déclaration de culpabilité pour la première infraction mentionnée.
Art et_politique_en_post-2011_Tunisie/Art et politique en Tunisie post-2011 :
La culture tunisienne est millénaire, mais la révolution tunisienne de 2011 a entraîné des changements importants dans la manière dont l'art et la politique interagissent en Tunisie. La censure sous la dictature de l'ancien président Zine El Abidine Ben Ali a été remplacée par une liberté d'expression sans précédent et des questions sur son utilisation. La vigueur retrouvée des arts en Tunisie et les nouveaux défis auxquels les artistes doivent faire face font écho à ceux d'autres pays touchés par le printemps arabe, notamment l'Égypte.
Art as_Experience/Art as Experience :
Art as Experience (1934) est l'écriture majeure de John Dewey sur l'esthétique, à l'origine livrée comme la première conférence William James à Harvard (1932). L'esthétique de Dewey s'est avérée utile dans un certain nombre de disciplines, y compris les nouveaux médias. Dewey avait déjà écrit des articles sur l'esthétique dans les années 1880 et avait ensuite abordé la question dans Democracy and Education (1915). Dans son ouvrage majeur, Experience and Nature (1925), il expose les prémices d'une théorie de l'expérience esthétique et écrit deux essais importants pour Philosophy and Civilization (1931).
Vente aux enchères d'art/vente aux enchères d'art :
Une vente aux enchères d'art ou une vente aux enchères d'œuvres d'art est la vente d'œuvres d'art, dans la plupart des cas dans une maison de vente aux enchères. En Angleterre, cela date de la fin du XVIIe siècle, lorsque dans la plupart des cas les noms des commissaires-priseurs ont été supprimés. En juin 1693, John Evelyn mentionne une "grande vente aux enchères d'images (Lord Melfort) à la Banqueting House, Whitehall", et la pratique est fréquemment évoquée par d'autres écrivains contemporains et ultérieurs. Normalement, un catalogue de vente aux enchères répertorie les œuvres d'art. à vendre, est rédigée et mise à disposition bien avant la date de l'enchère. Certaines des maisons de vente aux enchères les plus connues sont Christie's et Sotheby's. La plus ancienne maison de vente aux enchères est Stockholm Auction House (Stockholms Auktionsverk). Il a été établi en Suède en 1674.
L'art appartient_au_peuple/L'art appartient au peuple :
L'art appartient au peuple. Exposition anniversaire des artistes de Leningrad (Leningrad, 1977) (russe: Искусство принадлежит народу Выставка произведений ленинградских художников, посвящённая 60 летию Великого Октября.), Dédié au 60e anniversaire de la Grande Révolution d'Octobre de 1917, est devenu l'un des plus événement artistique important de 1977 en URSS. L'exposition a eu lieu dans le nouvel espace d'exposition - La salle d'exposition centrale Maneze, qui est devenue la plus grande zone d'exposition de la ville.
Biennales d'art_en_Afrique/Biennes d'art en Afrique :
L'engouement mondial pour les biennales, triennales et autres événements –annuels d'art a augmenté au cours des années 1990 et se poursuit alors que ce type de format d'exposition n'est pas une nouvelle tendance. En effet, la Biennale de Venise a été fondée en 1895, suivie en 1896 par Carnegie International, la Biennale de São Paulo en 1951, la Documenta de Kassel en 1955 et la Biennale de Sydney en 1973, pour ne citer que les premières, animées pour la plupart par l'esprit capitaliste-philanthropique. . Cet engouement, dont presque aucun pays n'échappe (Dominique Malaquais rappelle que les biennales sont les nouveaux stades dont les pays ont besoin pour se faire respecter sur la scène internationale), résulte de la corrélation de trois facteurs dans l'après-Froid Contexte de guerre qui, selon Bruce Ferguson, Reesa Greenberg et Sandy Nairne, peut être identifié comme le développement mondial du marché de l'art, la promotion des arts comme support de l'identité culturelle et nationale et l'idée que l'art, considéré comme un langue, est un instrument d'échange. Les biennales d'art sont aussi souvent la meilleure idée d'exposition internationale lorsqu'un Etat ne peut pas se permettre un musée d'art national et soutenir les artistes locaux comme l'a souligné Charlotte Bydler. Chaque biennale a sa spécificité et son histoire. Il n'y a pas de modèle en tant que tel, mais un point commun est que les biennales d'art sont avant tout des événements politiques. Elles sont souvent la réponse culturelle à une volonté nationale de favoriser le tourisme culturel, de résoudre un problème social ou identitaire, de légitimer un boom économique ou d'encourager un processus d'innovation urbaine. Les biennales sont aussi de formidables observatoires des processus de mondialisation. En promouvant une certaine localité et en profitant en même temps d'intérêts mondiaux, ils favorisent le paradoxe de la mondialisation, qui crée souvent de grandes tensions au niveau local. Les biennales des pays dits « périphériques » aspirent à devenir d'autres centres potentiels et à décentraliser ce qui était concentré sur un axe euro-américain jusqu'à la fin de la guerre froide. Le continent africain ne fait pas exception et les pays ont commencé à organiser des biennales d'art (en plus des festivals panafricains qui ne sont pas inclus dans ce compte) depuis les années 1950. Néanmoins, les années 1990, un moment de changements géopolitiques à la fois à l'intérieur (par exemple la disparition de l'apartheid en Afrique du Sud) et à l'extérieur (par exemple la chute du rideau de fer en Europe) du continent, conduisant à une réorganisation politique, au changement de la politique culturelle et économique ainsi que le renouvellement urbain, ont vraiment été la décennie où les biennales d'art ont commencé à être considérées comme la meilleure « invention » pour promouvoir l'art local et atteindre un public mondial.
Vélo d'art/vélo d'art :
Un vélo d'art est un vélo modifié à des fins créatives tout en restant utilisable. C'est un type de sculpture cinétique. Le degré de créativité artistique et d'originalité ou de nouvelle fonctionnalité des vélos d'art varie considérablement, en fonction des intentions de l'artiste ou du designer (ainsi que de l'interprétation subjective de ce qu'est «l'art» par l'observateur).
Blog d'art/Blog d'art :
Un blog d'art est un type courant de blog qui commente l'art. Plus récemment, comme pour d'autres types de blogs, certains blogs d'art ont adopté des fonctionnalités de réseautage social « Web 2.0 ». Les blogs d'art qui adoptent ce type de changement peuvent se développer pour devenir une source d'informations sur les événements artistiques (listes et cartes), un moyen de partager des informations et des images, ou un lieu de rencontre virtuel. Les entrées de blogs d'art couvrent différents sujets, des critiques et commentaires d'art aux potins d'initiés du monde de l'art, aux résultats d'enchères, aux actualités artistiques, aux essais personnels, aux portfolios, aux interviews, aux journaux d'artistes, aux conseils de marketing artistique et aux biographies d'artistes. Certains artistes utilisent les blogs d'art comme une forme de projet d'art des nouveaux médias. Les blogs d'art peuvent également servir de forum pour atteindre toute personne intéressée par l'art - que ce soit la peinture, la sculpture, la gravure, la photographie créative, l'art vidéo, l'art conceptuel ou les nouveaux médias. De cette façon, ils peuvent être visités non seulement pour les praticiens de différentes formes d'art, mais aussi pour les collectionneurs, les connaisseurs et les critiques.
Foire_du_livre_d'art/Salon du livre d'art :
Une foire du livre d'art est un type de foire ou d'exposition d'art organisée dans le but d'exposer, de vendre et de mettre en réseau des artistes, des créateurs de livres d'art, des illustrateurs, des écrivains, des imprimeurs spécialisés, des éditeurs indépendants et leur public. Les paramètres d'inclusion varient d'une foire à l'autre : certaines n'incluent que des publications qui sont elles-mêmes considérées comme des objets d'art, des livres d'art en édition limitée, des multiples d'artistes ou des livres spécifiquement sur un sujet artistique ; d'autres sont plus larges pour inclure les romans graphiques, les magazines culturels, les zines, l'écriture créative, la poésie et d'autres projets d'artistes. Comme les autres foires d'art, une foire du livre d'art comprendra non seulement des œuvres à vendre, mais aussi des installations d'artistes, des projets, des événements, des ateliers, des conférences, des tables rondes ou des lancements de livres. Les foires récurrentes peuvent se dérouler avec un thème annuel ou une invite qui guide la programmation. Contrairement à une foire commerciale ou à une foire du livre traditionnelle (telle que la Foire du livre de Francfort), les foires du livre d'art sont publiques et moins formelles en ce qui concerne les conférences ou le réseautage de l'industrie; bien qu'elles soient une opportunité pour les éditeurs et les artistes de se mêler, la nature des ventes de livres d'art est telle qu'il n'y a pas de vente ou de commercialisation des droits comme dans le cas d'un salon du livre ordinaire. Au lieu de cela, les foires du livre d'art sont un aspect de la culture gérée par des artistes et une adresse à la création artistique à l'ère néolibérale. Les salons du livre d'art sont également un moyen pour les spectateurs d'interagir, de collaborer, d'apprendre et d'obtenir des œuvres d'art en dehors des institutions artistiques commerciales. Compte tenu de la nature éphémère et massive de l'histoire de l'édition, « l'édition semble offrir », comme l'a dit Yannick Bouillis, directeur d'Offprint Paris, « un espace authentique et autonome au sein de la communauté artistique ». et les bandes sont - par rapport aux œuvres d'art - relativement exemptes de préoccupations du public et du marché."
Art by_Women_in_Florence/Art par des femmes à Florence :
Art by Women in Florence: A Guide through Five Hundred Years est un livre de 2012 écrit par Jane Fortune et Linda Falcone via The Advancing Women Artists Foundation et publié par The Florentine Press. Art by Women in Florence est adapté du livre Invisible Women: Forgotten Artists of Florence en tant que guide de poche à travers les musées de Florence présentant plus de quatre-vingts peintures et sculptures de plus de soixante femmes artistes. par l'Advancing Women Artists Foundation dans leur travail de recherche, de restauration et d'exposition d'œuvres d'art de femmes dans les musées et les entrepôts de Florence.
Voiture d'art/Voiture d'art :
Une voiture d'art est un véhicule dont l'apparence a été modifiée dans le cadre d'un acte d'expression artistique personnelle. Les voitures d'art sont souvent conduites et détenues par leurs créateurs, parfois appelés «cartistes». La plupart des artistes automobiles sont des gens ordinaires sans formation artistique. Les artistes sont en grande partie autodidactes et autofinancés, bien que certains artistes formés au courant dominant aient également travaillé dans le milieu de la voiture d'art. La plupart des artistes automobiles s'accordent à dire que créer et conduire quotidiennement une voiture d'art est sa propre récompense. Des artistes comme Roy Lichtenstein, Andy Warhol et d'autres ont conçu des BMW Art Cars et leur travail s'est reflété dans des voitures de course comme la BMW V12 LMR.
Pôle artistique/Pôle artistique :
Art Cluster, dans la scène mondiale de l'art contemporain, désigne un groupe d'artistes qui travaillent via Internet pour promouvoir la culture libre et de nombreuses valeurs artistiques. Les télécommunications émergentes ont développé une nouvelle forme de communication, beaucoup plus rapide et plus directe. Cela permet aux gens de travailler de n'importe où dans le monde. Les gens peuvent facilement se regrouper ou effectuer tout type d'organisation. Art Cluster désigne également la production artistique de l'intelligence collective. L'intégration du mouvement social dans le cyberespace est l'une des stratégies potentielles de ce mouvement social.
Art collection_of_Adolf_Hitler/Collection d'art d'Adolf Hitler :
Remarque : cet article consiste en des jugements de valeur arbitraires sur la propriété et la provenance de l'art dans l'Allemagne nazie et ne fournit presque aucune information sur la collection d'art d'Hitler elle-même. La collection d'art d'Adolf Hitler était une grande accumulation de peintures qu'il a acquises avant et pendant les événements de la Seconde Guerre mondiale. Ces peintures provenaient souvent de galeries d'art existantes en Allemagne et en Europe lors de l'invasion des forces nazies. Hitler prévoyait de créer un grand musée à Linz appelé le Führermuseum pour présenter le plus grand de l'art qu'il a acquis. Bien que ce musée n'ait jamais été construit, cela n'a pas empêché Hitler et de nombreux autres responsables nazis de saisir des œuvres d'art à travers l'Europe. Les peintures acquises par les nazis étaient souvent stockées dans des mines de sel et des châteaux en Allemagne pendant la Seconde Guerre mondiale. Finalement, bon nombre de ces œuvres d'art seraient sauvées par un groupe appelé les Monuments Men. Alors que ce groupe de travail composé de marchands d'art et de spécialistes des musées a pu récupérer de nombreuses œuvres d'art volées, il reste encore de nombreuses peintures à retrouver. En 2013, Cornelius Gurlitt, fils d'un des marchands d'art d'Hitler, a été retrouvé avec un appartement plein de peintures que son père avait gardées à la fois des nazis et des Monuments Men. Cette découverte des peintures a remis au jour de nombreuses peintures que l'on croyait perdues.
Collection d'art_of_BPER_Banca/Collection d'art de BPER Banca :
La Collezione di dipinti antichi della Banca Popolare dell'Emilia Romagna est une collection d'œuvres d'art italiennes classiques des sept derniers siècles en Émilie-Romagne, qui a été achetée par la Banca Popolare dell'Emilia Romagna. Les viccisitudes modernes ont concentré la collection d'art italien dans quelques entités, principalement des banques. Ces œuvres d'art en mains privées en Italie ne peuvent pas obtenir de licences d'exportation, donc trouver des foyers locaux avec de tels mécènes. La collection de la Banca Popolare dell'Emilia Romagna n'est pas unique dans sa portée, comme la plupart des banques, elle se concentre sur les talents locaux; en fait cette formidable collection comprend des artistes des sept derniers siècles de la région ou dont les peintures pourraient être trouvées localement. Il est hébergé à Modène.
Collection d'art_of_Fondazione_Cariplo/Collection d'art de la Fondazione Cariplo :
Les collections d'art de la Fondazione Cariplo sont une galerie d'œuvres d'art ayant une valeur historique et artistique significative détenue par la Fondazione Cariplo en Italie. Il se compose de 767 peintures, 116 sculptures, 51 objets et mobilier datant du Ier siècle à la seconde moitié du XXe siècle. La collection s'étend de la sculpture sur pierre de l'Antiquité tardive à la sculpture sur bois du Moyen Âge, en passant par la peinture italienne de la Renaissance et l'époque baroque, mais atteint l'excellence avec certains des chefs-d'œuvre de la peinture italienne du XIXe siècle et en particulier de la peinture lombarde.
Collection d'art_of_Fondazione_Cassa_di_Risparmio_di_Cesena/Collection d'art de la Fondazione Cassa di Risparmio di Cesena :
La Galleria dei dipinti antichi ou la Galerie d'art antique est une petite collection d'artistes exposés au public, principalement d'Émilie-Romagne, constituée par la Fondazione Cassa di Risparmio di Cesena, propriétaire de la caisse d'épargne de Cesena Cassa di Risparmio di Cesena. La collection couvre des œuvres du XVe au XIXe siècle et s'est accumulée principalement au cours des 2-3 dernières décennies. Depuis 1991, il est exposé dans l'ancien monastère des Célestins, aujourd'hui également siège central de la banque.
Collection d'art_de_Fondazione_Cassa_di_Risparmio_di_Fano/Collection d'art de la Fondazione Cassa di Risparmio di Fano :
La Quadreria della Fondazione Cassa di Risparmio di Fano (Galerie de la Fondation de la Caisse d'épargne de Fano) abrite une importante collection de peintures italiennes des années 1600-1900, rassemblées au cours des quarante dernières années par la Cassa di Risparmio di Fano (aujourd'hui transférée à la entité holding – la Fondazione). Il est situé dans le Salone del Consiglio de l'institution financière, anciennement Case dei Malatesti, dans la ville de Fano, Marches. La galerie de peinture est ouverte au public par visite guidée pré-arrangée. La collection contient les peintures suivantes d'avant le 19ème siècle:
Collection d'art_of_Fondazione_Cassa_di_Risparmio_di_Lucca/Collection d'art de la Fondazione Cassa di Risparmio di Lucca :
La collection d'art de la Fondation de Lucca Savings Bank (en italien Fondazione Cassa di Risparmio di Lucca) est une collection d'œuvres d'art, principalement créées par des artistes de Lucca, acquises par cette institution financière (la banque est devenue deux entités dans les années 1990, SpA et Bank Fondation). Le siège de la Fondation est l'ancien monastère et l'église de San Micheletto à Lucca. Bien que des œuvres d'art de plusieurs époques soient présentes dans la collection, les peintures baroques et les objets liés au culte de la Sainte Face de Lucca sont particulièrement remarquables.
Collection d'art_of_Fondazione_Cassa_di_Risparmio_di_Perugia/Collection d'art de la Fondazione Cassa di Risparmio di Perugia :
La collection d'art de la Fondazione Cassa di Risparmio di Perugia est une collection privée d'œuvres d'art, principalement de la région, et acquise par l'institution financière (mais maintenant détenue par la Fondazione Cassa di Risparmio di Perugia car la banque a été dissoute). La collection est répartie sur deux sites de la ville de Pérouse : le Palazzo Graziani et le Palazzo Baldeschi. Le Palazzo Graziani (1554-1569) a été conçu par Jacopo Barozzi, (il Vignola). Le bâtiment se distingue également par son somptueux salon principal, la Sala della Presidenza, décoré à la fin du XIXe siècle de grandes toiles et de fresques peintes par Annibale Brugnoli, rappelant à la fois les événements du Risorgimento et l'histoire de Pérouse. Le Palazzo Baldeschi al Corso (XVIe siècle, du nom de la famille noble issue de Baldus de Ubaldis) a été acquis par la fondation le 28 novembre 2002.
Collection d'art_of_Fondazione_Manodori/Collection d'art de la Fondazione Manodori :
La collection d'art de la Fondation de la Caisse d'épargne de Reggio Emilia - Pietro Manodori ou (collezione d'arte della Fondazione Cassa di Risparmio di Reggio Emilia Pietro Manodori) est une petite collection d'artistes exposés au public, principalement de la région, se concentrant spécialement dans les œuvres à partir du XVIIe siècle, la période baroque où la communauté d'artistes locaux, ainsi que l'école bolognaise des peintres, avaient pris de l'importance. La collecte par cette maison financière a commencé sérieusement au milieu des années 1990. La collection a été collectée par Cassa di Risparmio di Reggio Emilia, qui a été absorbée par UniCredit. Cependant, la collection d'art appartenait à l'ancien propriétaire de la banque, la Fondazione Cassa di Risparmio di Reggio Emilia Pietro Manodori (Fondazione Manodori en abrégé).
Art collection_of_Oregon_Health_%26_Science_University/Collection d'art de l'Université de la santé et des sciences de l'Oregon :
L'Oregon Health & Science University (OHSU) possède une vaste collection d'art, la collection OHSU, avec environ 900 œuvres d'art exposées sur tout le campus de l'institution à Portland, Oregon. La collection met l'accent sur l'art et les artistes du nord-ouest du Pacifique.
Art collections_of_Holkham_Hall/Collections d'art de Holkham Hall :
La collection d'art de Holkham Hall à Norfolk, en Angleterre, reste en grande partie celle que le propriétaire d'origine avait l'intention d'exposer dans la maison; la maison a été conçue autour de la collection d'art acquise (quelques œuvres ont été commandées) par Thomas Coke, 1er comte de Leicester, lors de son Grand Tour d'Italie de 1712 à 1718. Pour compléter le projet, il était nécessaire d'envoyer Matthew Brettingham le jeune à Rome entre 1747 et 1754 pour acheter d'autres œuvres d'art. La conception de la maison était un effort de collaboration entre Thomas Coke, Richard Boyle, 3e comte de Burlington et William Kent, avec Matthew Brettingham l'aîné agissant en tant qu'architecte sur place. La maison a été construite entre 1736 et 1764, les travaux sur les intérieurs n'ayant été achevés qu'en 1771. En 1769, tous les hommes impliqués étaient morts, laissant la veuve de Thomas, Lady Margaret Tufton, comtesse de Leicester (1700–1775), pour superviser l'achèvement de la maison. Leur seul enfant à avoir survécu à la petite enfance, Edward Coke, vicomte Coke, était mort sans issue en 1753. La maison est conçue avec un corps de logis contenant les salles d'apparat au premier étage (piano nobile), entouré de quatre ailes : au sud -à l'ouest l'aile familiale, au nord-ouest l'aile des hôtes, au sud-est l'aile chapelle et au nord-est l'aile cuisine. Avec toutes les portes intermédiaires ouvertes, il est possible de se tenir dans la longue bibliothèque et de regarder sur toute la longueur des salles d'apparat sud et de voir la fenêtre est de la chapelle dans l'aile opposée sur toute la longueur de 344 pieds (105 m) de la maison . L'aile familiale est une résidence autonome, destinée à la vie quotidienne. La salle de marbre est au centre de la façade nord. À l'ouest se trouve la salle à manger nord (également appelée salle à manger d'État), puis le long du côté ouest du corps de logis se trouve la galerie de la statue, à l'est sur la façade sud se trouve la salle de dessin, puis le salon, la salle à manger sud Room, Landscape Room au nord de laquelle sur le côté est du corps de logis se trouve la Green State Bedroom, le Green State Dressing Room, le North State Dressing Room, la North State Bedroom, et enfin à l'ouest le State Sitting Room with the Marble Hall à son ouest. Une grande réflexion a été consacrée au placement des sculptures et des peintures, impliquant des connexions et des contrastes subtils dans les personnages mythologiques et historiques et les histoires représentées. Les salles d'apparat ont été conçues avec des dispositions symétriques de portes, de fenêtres et de cheminées; cela signifiait que certains murs avaient de fausses portes pour équilibrer les vraies portes. Ce besoin d'équilibre et d'harmonie s'est étendu à la disposition des sculptures, des peintures et des meubles, chaque œuvre étant équilibrée par une pièce de taille similaire mais parfois de sujet contrasté. Les exemples sont les deux peintures commandées par Thomas Coke au-dessus des cheminées du Saloon, Tarquin Raping Lucretia et Perseus and Andromeda. Dans le premier tableau, Sextus Tarquinius, le fils du dernier roi de Rome, viole une femme, tandis que dans le second tableau, un homme sauve une femme de la mort. Le résultat du viol de Lucrèce est le renversement d'un tyran ; le sauvetage d'Andromède fait de Persée un roi. D'autres liens sont les sculptures des deux exèdres de la galerie des statues : dans celle du sud se trouvent deux satyres, symboles de la passion et de la luxure non gouvernées, tandis qu'en face se trouvent la vierge Athéna, déesse de la sagesse, et Cérès, la conservatrice du mariage et de la loi sacrée. . Dans la salle du paysage, il est possible de passer du regard sur les peintures au regard par la fenêtre sur un véritable jardin paysager, influencé par les images sur les murs. Les œuvres collectées en Italie comprennent : des sculptures, des peintures, des mosaïques, des livres, des manuscrits et des dessins de maîtres anciens (dont la plupart ont été vendus). Les livres comprenaient l'un des carnets de notes de Léonard de Vinci maintenant connu sous le nom de Codex Leicester qui a été vendu de la collection en 1980.
Colonie d'art/Colonie d'art :
Une colonie d'art, également connue sous le nom de colonie d'artistes, peut être définie de deux manières. Sa description la plus libérale fait référence à la congrégation organique d'artistes dans les villes, les villages et les zones rurales, souvent attirés par des zones de beauté naturelle, l'existence antérieure d'autres artistes ou écoles d'art là-bas et un coût de la vie inférieur. Plus communément, le terme fait référence au modèle invité-hôte d'une communauté planifiée axée sur la mission, qui administre un processus formel d'attribution des résidences d'artistes. Dans ce dernier cas, une mission typique pourrait consister à fournir aux artistes le temps, l'espace et le soutien nécessaires pour créer ; favoriser la communauté parmi les artistes; et offrir une éducation artistique (conférences, ateliers) au public. Les modèles d'invités américains du début du XXe siècle incluent MacDowell Colony du New Hampshire et Yaddo de New York . Dans le monde entier, les deux principales organisations desservant les colonies d'artistes et les centres résidentiels sont Res Artis, à Amsterdam, et l'Alliance of Artists Communities, à Providence, Rhode Island. L'Intra Asia Network de Taiwan est un organisme moins formel qui travaille à faire progresser les communautés créatives et les échanges dans toute l'Asie. Collectivement, ces groupes supervisent la plupart des colonies d'artistes actifs dans le monde.
Commune d'art / Commune d'art :
Une commune d'art est une situation de vie commune ou une commune où l'art collectif est produit en fonction des activités du groupe. Les communautés d'art contemporain sont dispersées dans le monde entier, mais souvent à l'écart de l'attention généralisée en raison du mécontentement ou de l'inconfort de la société en général. Dans les années 1960 et 1970, des communes artistiques telles que Friedrichshof (également connue sous le nom d'Aktionsanalytische Organisation) ont prospéré. L'art créatif a été produit avec enthousiasme au sein de ces groupes, qui sont devenus des points de rassemblement pour le mouvement de contre-culture. D'un point de vue sociologique, les communes productrices d'art des années 1970 n'ont pas réussi à se maintenir, en grande partie parce qu'elles avaient tendance à avoir des adhésions ouvertes, ce qui a fini par attirer des personnes ayant des problèmes sociaux. Ces problèmes se sont ensuite répandus et sont devenus trop difficiles à gérer pour ces entités autonomes, même si certains groupes, comme l'ancien Kunsthaus Tacheles, ont continué à prospérer. Les communes artistiques d'aujourd'hui sont un mélange d'artistes, de vagabonds, de collectivistes, d'activistes, de dadaïstes et de parasites. Ces groupes sont plus diversifiés politiquement et idéologiquement que leurs homologues du milieu du XXe siècle, ce qui a conduit de nombreuses communes artistiques à devenir des entités commerciales plus courantes.
Concours d'art_aux_Olympiques_d'été_de_1912/Concours d'art aux Jeux olympiques d'été de 1912 :
Des concours d'art ont eu lieu dans le cadre des Jeux olympiques d'été de 1912 à Stockholm, en Suède. C'était la première fois que des compétitions artistiques faisaient partie du programme olympique. Des médailles ont été décernées dans cinq catégories (architecture, littérature, musique, peinture et sculpture), pour des œuvres inspirées par des thèmes liés au sport. Les concours d'art faisaient partie du programme olympique de 1912 à 1948, mais ont été interrompus en raison de préoccupations concernant l'amateurisme et professionnalisme. Depuis 1952, un festival artistique et culturel non compétitif est associé à chaque Jeux.
Concours d'art_aux_Olympiques_d'été_de_1920/Concours d'art aux Jeux olympiques d'été de 1920 :
Des concours d'art ont eu lieu dans le cadre des Jeux olympiques d'été de 1920 à Anvers, en Belgique. Des médailles ont été décernées dans cinq catégories (architecture, littérature, musique, peinture et sculpture), pour des œuvres inspirées par des thèmes liés au sport. Les concours d'art faisaient partie du programme olympique de 1912 à 1948, mais ont été interrompus en raison de préoccupations concernant l'amateurisme et professionnalisme. Depuis 1952, un festival artistique et culturel non compétitif est associé à chaque Jeux.
Concours d'art_aux_Olympiques_d'été_de_1924/Concours d'art aux Jeux olympiques d'été de 1924 :
Des concours d'art ont eu lieu dans le cadre des Jeux olympiques d'été de 1924 à Paris, en France. Des médailles ont été décernées dans cinq catégories (architecture, littérature, musique, peinture et sculpture), pour des œuvres inspirées par des thèmes liés au sport. Les concours d'art faisaient partie du programme olympique de 1912 à 1948, mais ont été interrompus en raison de préoccupations concernant l'amateurisme et professionnalisme. Depuis 1952, un festival artistique et culturel non compétitif est associé à chaque Jeux.
Concours d'art_aux_Olympiques_d'été_de_1928/Concours d'art aux Jeux olympiques d'été de 1928 :
Des concours d'art ont eu lieu dans le cadre des Jeux olympiques d'été de 1928 à Amsterdam, aux Pays-Bas. Des médailles ont été décernées dans cinq catégories (architecture, littérature, musique, peinture et sculpture), pour des œuvres inspirées par des thèmes liés au sport. L'exposition d'art s'est tenue au Stedelijk Museum du 12 juin au 12 août et a présenté 1150 œuvres d'art de 18 pays différents. De plus, le concours de littérature a attiré 40 candidatures de 10 pays et le concours de musique 22 candidatures de 9 pays. Les concours d'art des Jeux de 1928 étaient plus importants que ceux des Jeux précédents. Au lieu d'un seul concours dans chacune des cinq catégories artistiques, des prix ont été décernés dans plusieurs sous-catégories. Les juges du concours de musique ont refusé d'attribuer des médailles dans deux des trois sous-catégories et n'ont présenté qu'une seule médaille de bronze dans la troisième. Les concours d'art faisaient partie du programme olympique de 1912 à 1948. Lors d'une réunion du Comité international olympique en 1949, il fut décidé d'organiser des expositions d'art à la place, car il était jugé illogique de permettre aux professionnels de concourir dans les concours d'art mais uniquement aux amateurs. ont été autorisés à participer à des événements sportifs. Depuis 1952, un festival artistique et culturel non compétitif est associé à chaque Jeux.
Concours d'art_aux_Olympiques_d'été_de_1932/Concours d'art aux Jeux olympiques d'été de 1932 :
Des concours d'art ont eu lieu dans le cadre des Jeux olympiques d'été de 1932 à Los Angeles, aux États-Unis. Des médailles ont été décernées dans cinq catégories (architecture, littérature, musique, peinture et sculpture), pour des œuvres inspirées par des thèmes liés au sport. Les concours d'art faisaient partie du programme olympique de 1912 à 1948, mais ont été interrompus en raison de préoccupations concernant l'amateurisme et professionnalisme. Depuis 1952, un festival artistique et culturel non compétitif est associé à chaque Jeux.
Concours d'art_aux_Olympiques_d'été_de_1936/Concours d'art aux Jeux olympiques d'été de 1936 :
Des concours d'art ont eu lieu dans le cadre des Jeux olympiques d'été de 1936 à Berlin, en Allemagne. Des médailles ont été décernées dans cinq catégories (architecture, littérature, musique, peinture et sculpture), pour des œuvres inspirées par des thèmes liés au sport.L'exposition d'art s'est tenue dans une salle de l'exposition de Berlin du 15 juillet au 16 août et a affiché 667 oeuvres d'art de 22 pays différents. De plus, le concours de littérature a attiré 40 candidatures de 12 pays et le concours de musique 33 candidatures de 9 pays. cinq catégories artistiques. Les juges ont refusé d'attribuer des médailles pour trois sous-catégories et aucune médaille d'or pour trois autres sous-catégories. Les concours d'art faisaient partie du programme olympique de 1912 à 1948. Lors d'une réunion du Comité international olympique en 1949, il fut décidé d'organiser des expositions d'art à la place, car il était jugé illogique de permettre aux professionnels de concourir dans les concours d'art mais uniquement aux amateurs. ont été autorisés à participer à des événements sportifs. Depuis 1952, un festival artistique et culturel non compétitif est associé à chaque Jeux.
Concours d'art_aux_Olympiques_d'été_de_1948/Concours d'art aux Jeux olympiques d'été de 1948 :
Des concours d'art ont eu lieu dans le cadre des Jeux olympiques d'été de 1948 à Londres, en Grande-Bretagne. Des médailles ont été décernées dans cinq catégories (architecture, littérature, musique, peinture et sculpture), pour des œuvres inspirées par des thèmes liés au sport.L'exposition d'art s'est tenue au Victoria and Albert Museum du 15 juillet au 14 août et a présenté des œuvres de art de 27 pays différents. Le concours de littérature a attiré 44 candidatures et le concours de musique 36 candidatures. Les concours d'art comprenaient plusieurs sous-catégories pour chacune des cinq catégories artistiques. Les juges ont refusé de décerner des médailles pour des œuvres dramatiques en littérature, et aucune médaille d'or dans cinq autres sous-catégories. Alex Diggelmann, de Suisse, a remporté à la fois une médaille d'argent et une médaille de bronze pour deux entrées différentes dans la sous-catégorie des arts appliqués et de l'artisanat, un exploit peu susceptible d'être reproduit dans aucune épreuve du programme olympique actuel. Ce sont les derniers Jeux où des concours d'art ont eu lieu, après avoir été au programme officiel de tous les Jeux depuis 1912. Lors d'une réunion du Comité International Olympique en 1949, il a été décidé d'organiser des expositions d'art à la place, car il a été jugé illogique de permettre les professionnels pouvaient participer aux compétitions artistiques tandis que seuls les amateurs étaient autorisés à participer aux événements sportifs. Depuis 1952, un festival artistique et culturel non compétitif est associé à chaque Jeux.
Concours d'art_at_the_Summer_Olympics/Concours d'art aux Jeux olympiques d'été :
Les compétitions artistiques faisaient partie des Jeux Olympiques modernes au cours de leurs premières années, de 1912 à 1948. Les compétitions faisaient partie de l'intention initiale du fondateur du Mouvement olympique, Pierre de Frédy, baron de Coubertin. Des médailles ont été décernées à des œuvres d'art inspirées par le sport, réparties en cinq catégories : architecture, littérature, musique, peinture et sculpture. Les concours d'art avec jury ont été abandonnés en 1954 parce que les artistes étaient considérés comme des professionnels, tandis que les athlètes olympiques devaient être des amateurs. Depuis 1956, le programme culturel olympique a pris leur place.
Crime d'art/crime d'art :
Le crime d'art peut faire référence à : Vol d'œuvres d'art Contrefaçon d'œuvres d'art Vandalisme d'œuvres d'art
Critique d'art/Critique d'art :
Un critique d'art est une personne spécialisée dans l'analyse, l'interprétation et l'évaluation de l'art. Leurs critiques ou critiques écrites contribuent à la critique d'art et sont publiées dans des journaux, des magazines, des livres, des brochures d'exposition, des catalogues et des sites Web. Certains critiques d'art d'aujourd'hui utilisent des blogs d'art et d'autres plateformes en ligne afin de se connecter avec un public plus large et d'élargir le débat sur l'art. Contrairement à l'histoire de l'art, il n'y a pas de formation institutionnalisée pour les critiques d'art (à quelques exceptions près) ; les critiques d'art viennent d'horizons différents et ont ou non une formation universitaire. Les critiques d'art professionnels doivent avoir un sens aigu de l'art et une connaissance approfondie de l'histoire de l'art. Généralement, le critique d'art voit l'art dans des expositions, des galeries, des musées ou des ateliers d'artistes et peut être membre de l'Association internationale des critiques d'art qui a des sections nationales. Très rarement, les critiques d'art gagnent leur vie en écrivant des critiques. Les opinions des critiques d'art ont le potentiel de susciter un débat sur des sujets liés à l'art. Pour cette raison, les points de vue des critiques d'art écrivant pour des publications et des journaux d'art s'ajoutent au discours public sur l'art et la culture. Les collectionneurs d'art et les mécènes comptent souvent sur les conseils de ces critiques pour améliorer leur appréciation de l'art qu'ils regardent. De nombreux artistes désormais célèbres et célébrés n'étaient pas reconnus par les critiques d'art de leur temps, souvent parce que leur art était dans un style non encore compris ou favorisé. À l'inverse, certains critiques sont devenus particulièrement importants en aidant à expliquer et à promouvoir de nouveaux mouvements artistiques - Roger Fry avec le mouvement postimpressionniste, Lawrence Alloway avec le pop art comme exemples.
Critique d'art/Critique d'art :
La critique d'art est la discussion ou l'évaluation de l'art visuel. Les critiques d'art critiquent généralement l'art dans le contexte de l'esthétique ou de la théorie de la beauté. L'un des objectifs de la critique d'art est la poursuite d'une base rationnelle pour l'appréciation de l'art, mais on peut se demander si une telle critique peut transcender les circonstances sociopolitiques dominantes. La variété des mouvements artistiques a entraîné une division de la critique d'art en différentes disciplines qui peuvent chacune utiliser différents critères de jugement. La division la plus courante dans le domaine de la critique se situe entre la critique et l'évaluation historiques, une forme d'histoire de l'art, et la critique contemporaine du travail d'artistes vivants. sont toujours susceptibles de subir des corrections drastiques avec le temps. Les critiques du passé sont souvent ridiculisées pour avoir rejeté des artistes désormais vénérés (comme les premiers travaux des impressionnistes). Certains mouvements artistiques eux-mêmes ont été nommés de manière désobligeante par les critiques, le nom étant adopté plus tard comme une sorte d'insigne d'honneur par les artistes du style (par exemple, l'impressionnisme, le cubisme), avec la signification négative originale oubliée. Les artistes ont souvent eu une relation difficile. avec leurs détracteurs. Les artistes ont généralement besoin d'opinions positives de la part des critiques pour que leur travail soit vu et acheté ; malheureusement pour les artistes, seules les générations futures peuvent le comprendre. L'art est une partie importante de l'être humain et peut être trouvé à travers tous les aspects de nos vies, indépendamment de la culture ou de l'époque. Il existe de nombreuses variables différentes qui déterminent son jugement sur l'art, telles que l'esthétique, la cognition ou la perception. L'art peut être objectif ou subjectif en fonction de la préférence personnelle envers l'esthétique et la forme. Il peut être basé sur les éléments et le principe du design et sur l'acceptation sociale et culturelle. L'art est un instinct humain fondamental avec une gamme variée de formes et d'expressions. L'art peut être autonome avec un jugement instantané ou peut être vu avec une connaissance plus approfondie et plus instruite. Les théories esthétiques, pragmatiques, expressives, formalistes, relativistes, processionnelles, d'imitation, rituelles, cognitives, mimétiques et postmodernes sont quelques-unes des nombreuses théories pour critiquer et apprécier l'art. La critique et l'appréciation de l'art peuvent être subjectives en fonction de la préférence personnelle envers l'esthétique et la forme, ou elles peuvent être basées sur les éléments et le principe du design et sur l'acceptation sociale et culturelle.
Art cycling_in_Millstatt/Art cycling à Millstatt :
Le cyclisme artistique à Millstatt (en allemand : "KUNSTradln in Millstatt") était une exposition d'art annuelle internationale à Millstatt am See (Carinthie/Autriche). Il a pris la forme de diverses stations d'art à travers Millstatt reliées par un itinéraire cyclable / pédestre.
Art d%27Ecco/Art d'Ecco :
Art d'Ecco est le nom de scène d'un chanteur et musicien de rock indépendant basé à Victoria, en Colombie-Britannique. Sa musique a été comparée à David Bowie, The Cure et Sparks. Le nom de naissance d'Ecco n'est actuellement pas connu du public, mais il a révélé qu'il est né à Ottawa, en Ontario, et a grandi à Vancouver, en Colombie-Britannique. Après avoir travaillé comme cuisinier à la chaîne pendant son adolescence, il a commencé à envisager la musique comme une carrière, jouant dans le groupe Speed ​​to Kill avec le musicien de Vancouver Jason Corbett. d'Ecco a joué dans des groupes pendant plusieurs années sans voir beaucoup de progrès. Finalement, son père lui a proposé de l'héberger dans la maison familiale des îles Gulf où il s'occuperait de sa grand-mère, alors atteinte de la maladie d'Alzheimer. C'est durant cette période de retraite qu'il écrit les chansons qui feront ses débuts en solo sous le nom d'Art d'Ecco, Day Fevers. d'Ecco a enregistré cet album en solo avec un piano et un iPhone. Après avoir sorti et tourné avec Day Fevers, d'Ecco a commencé à expérimenter son image, inspiré par sa fascination pour les artistes qui "ont l'air bizarre", citant Iggy Pop et Deerhunter. Au moment où il a sorti son deuxième album, Trespasser de 2018, sa première sortie avec Paper Bag Records, il était arrivé à son look signature de perruque bob et de maquillage androgyne. Sa promotion pour l'album comprenait un set au festival Bumbershoot 2019. En 2021, d'Ecco a sorti son troisième album, In Standard Definition, qui a été enregistré en analogique sur une console vieille de 50 ans. Il a été décrit comme "un album conceptuel sur le divertissement". En guise de suivi, d'Ecco a sorti un single de couverture de " That's Entertainment " de The Jam .
Art dans_Tout/Art dans Tout :
Le mouvement Art dans Tout était un groupe artistique français qui a fonctionné de 1896 à 1901. Initialement appelé Les Cinq, car il comptait cinq membres fondateurs, l'artiste et dentellier Félix Aubert, le sculpteur et artisan Alexandre Charpentier, le sculpteur et médailleur Jean Dampt, sculpteur et médaillé Henry Nocq et architecte Charles Plumet, il prend ensuite le nom de Les Six lorsque Nocq quitte le groupe en 1897, remplacé par le peintre Étienne Moreau-Nélaton et l'architecte et décorateur Tony Selmersheim. En 1898, le groupe s'agrandit pour devenir Art dans Tout lorsque Carl-Albert Angst, sculpteur et élève de Dampt, Jules Desbois, sculpteur, Paul Follot, designer de meubles, Alphonse Hérold, ébéniste, Antoine Jorrand, peintre et le dessinateur de tapisserie, Henri Sauvage, architecte, et Louis Sorrel, architecte et collaborateur d'Aubert, s'y joignent. Le groupe s'est dissous en 1901 en raison d'une nécessité commerciale. La philosophie du groupe peut se résumer en deux concepts, que la forme d'une œuvre d'art doit toujours correspondre à sa fonction et être artistique, et que le matériau à partir duquel l'œuvre est fabriquée doit toujours refléter la destination de l'objet et la nature du matériau.
Art de_rue/Art de rue :
Art de rue est le deuxième album du groupe de hip hop français Fonky Family. Il est sorti en mars 2001 et a reçu la certification or en France. La plupart des titres ont été produits par Pone, ainsi que par Le Rat Luciano. Parmi les titres les plus marquants, citons : Mystère et suspense (réalisé à partir d'un extrait de I Won't Hold You Back de Toto), pièce qui évoque la réalité du quotidien et l'avenir incertain de chacun, Art de rue (réalisé à partir d'un extrait de Somebody's Watching Me de Rockwell) et Dans la légende, qui évoque la dureté du pouvoir.
Marchand d'art/marchand d'art :
Un marchand d'art est une personne ou une entreprise qui achète et vend des œuvres d'art, ou agit comme intermédiaire entre les acheteurs et les vendeurs d'art. Un marchand d'art contemporain recherche généralement divers artistes à représenter et établit des relations avec des collectionneurs et des musées dont les intérêts sont susceptibles de correspondre au travail des artistes représentés. Certains concessionnaires sont capables d'anticiper les tendances du marché, tandis que certains concessionnaires de premier plan peuvent être en mesure d'influencer le goût du marché. De nombreux revendeurs se spécialisent dans un style, une période ou une région en particulier. Ils voyagent souvent à l'étranger, fréquentant des expositions, des ventes aux enchères et des ateliers d'artistes à la recherche de bons achats, de trésors peu connus et de nouvelles œuvres passionnantes. Lorsque les marchands achètent des œuvres d'art, ils les revendent soit dans leurs galeries, soit directement aux collectionneurs. Ceux qui s'occupent d'art contemporain en particulier exposent généralement des œuvres d'artistes dans leurs propres galeries. Ils participeront souvent à la préparation des œuvres d'art à révéler ou à traiter. Les associations professionnelles de marchands d'art servent à établir des normes élevées d'accréditation ou d'adhésion et à soutenir les expositions et les spectacles d'art.
Département artistique/Département artistique :
Le département artistique en termes de cinéma désigne la section de l'équipe d'une production concernée par l'art visuel. Travaillant sous la supervision du concepteur de production et/ou du directeur artistique, le département artistique est chargé d'organiser l'aspect général du film (c'est-à-dire moderne/high-tech, rustique, victorien, etc.) selon les souhaits du réalisateur. Les postes individuels au sein de ce département incluent : concepteur de production, directeur artistique, directeur artistique adjoint, scénariste, artiste conceptuel, dessinateur, coordinateur du département artistique, décorateur, habilleur, maquilleur, peintre, maître de propriété, chef de file, swing gang, acheteur de production , Sculpteur de films et assistant immobilier.
Destruction d'œuvres d'art/Destruction d'œuvres d'art :
La destruction d'œuvres d'art implique l'endommagement ou la destruction d'œuvres d'art. Cela peut se produire par un processus naturel, un accident ou une implication humaine délibérée.
Journal d'art/Journal d'art :
Un journal d'art, un journal d'art ou un journal visuel est un journal quotidien tenu par des artistes, contenant souvent à la fois des mots et des croquis, et comprenant parfois des éléments multimédias tels que des collages. Ces livres contiendront fréquemment des travaux bruts, sous forme de dessins animés, d'idées qui apparaîtront plus tard dans des œuvres finies, ainsi qu'un journal normal, en permettant à l'artiste d'enregistrer ses activités et ses émotions au jour le jour. Ces journaux offrent non seulement aux historiens de l'art une occasion précieuse d'explorer le processus de création de ces œuvres achevées, mais ils constituent également un outil biographique utile. De nombreux artistes célèbres sont connus pour leurs journaux d'art - les carnets de croquis de Léonard de Vinci en sont probablement l'exemple le plus connu. Parmi les autres artistes à avoir utilisé des revues d'art, citons Frida Kahlo. Le concept de journal d'art est également utilisé par des personnes travaillant dans des domaines créatifs connexes tels que la musique; le musicien Brian Eno, par exemple, est bien connu pour son utilisation de journaux d'art, dont des extraits ont été utilisés dans le livre d'Eno et Russell Mills More Dark Than Shark. Les photographes Peter Hill Beard et Dan Eldon, et l'artiste Sabrina Ward Harrison sont trois autres personnes connues pour leurs revues d'art.
Directeur artistique/Directeur artistique :
Le directeur artistique est le titre d'une variété de fonctions similaires dans les domaines du théâtre, de la publicité, du marketing, de l'édition, de la mode, du cinéma et de la télévision, d'Internet et des jeux vidéo. Il incombe à un seul directeur artistique de superviser et d'unifier la vision de une production artistique. En particulier, ils sont responsables de son apparence visuelle globale et de la façon dont il communique visuellement, stimule les humeurs, contraste les caractéristiques et attire psychologiquement un public cible. Le directeur artistique prend des décisions concernant les éléments visuels, le(s) style(s) artistique(s) à utiliser et quand utiliser le mouvement. L'un des plus grands défis auxquels sont confrontés les directeurs artistiques est de traduire les humeurs, les messages, les concepts et les idées sous-développées souhaités en images. Dans le processus de remue-méninges, les directeurs artistiques, les collègues et les clients explorent à quoi pourrait ressembler la pièce ou la scène finie. Parfois, le directeur artistique est chargé de solidifier la vision de l'imaginaire collectif tout en résolvant les agendas conflictuels et les incohérences entre les idées des contributeurs.
Poupée d'art/poupée d'art :
Les poupées d'art sont des objets d'art, plutôt que des jouets pour enfants, créés dans une grande variété de styles et de supports, et peuvent inclure à la fois des pièces préfabriquées ou des œuvres entièrement originales.
Éducation artistique_aux_États-Unis/Éducation artistique aux États-Unis :
L'éducation artistique aux États-Unis fait référence à la pratique de l'enseignement de l'art dans les écoles publiques américaines. Avant la démocratisation de l'éducation, en particulier telle que promue par le philosophe de l'éducation John Dewey, l'apprentissage était la voie traditionnelle pour atteindre une éducation artistique. Aux côtés de John Dewey, Elliot Eisner était l'un des principaux défenseurs de l'inclusion de l'art dans les programmes d'études modernes. Depuis la première introduction de l'art dans l'enseignement public en 1821, l'éducation artistique aux États-Unis a fait face à de nombreux changements et à de nombreuses étapes de croissance.
Équité artistique/Équité artistique :
L'équité artistique est un droit de propriété proportionnel qu'un individu ou une entité peut revendiquer contre une représentation physique de l'art. Art Equity est distribué par le biais d'organisations telles que l'échange international d'art. L'équité en matière d'art a de nombreux droits légaux et toute participation est transférable en attendant l'autorisation du propriétaire.
Art et_Libert%C3%A9/Art et Liberté :
Groupe Art et Liberté ( arabe : جماعة الفن والحرية ; anglais : Art and Liberty Group , Art and Freedom Group ) était un mouvement artistique et politique égyptien actif de 1938 à 1948, à peu près au moment de la Seconde Guerre mondiale . Parmi les fondateurs figurait le poète surréaliste Georges Henein ; le groupe était basé principalement mais pas exclusivement sur le surréalisme.
Exposition d'art/Exposition d'art :
Une exposition d'art est traditionnellement l'espace dans lequel les objets d'art (au sens le plus général) rencontrent un public. L'exposition est universellement comprise comme étant pour une période temporaire à moins que, comme c'est rarement le cas, il soit déclaré qu'il s'agit d'une "exposition permanente". En anglais américain, ils peuvent être appelés "exhibit", "exposition" (le mot français) ou "show". En anglais britannique, ils sont toujours appelés «expositions» ou «spectacles», et un élément individuel du spectacle est une «exposition». Ces expositions peuvent présenter des images, des dessins, des vidéos, du son, des installations, des performances, de l'art interactif, de l'art des nouveaux médias ou des sculptures d'artistes individuels, de groupes d'artistes ou de collections d'une forme d'art spécifique. Les œuvres d'art peuvent être présentées dans des musées, des salles d'art, des clubs d'art ou des galeries d'art privées, ou dans un lieu dont l'activité principale n'est pas l'exposition ou la vente d'œuvres d'art, comme un café. Une distinction importante est notée entre les expositions où certaines ou toutes les œuvres sont à vendre, normalement dans des galeries d'art privées, et celles où elles ne le sont pas. Parfois, l'événement est organisé à une occasion précise, comme un anniversaire, un anniversaire ou une commémoration.
Fabrication d'œuvres d'art/Fabrication d'œuvres d'art :
La fabrication d'art décrit le processus ou le service de production d'œuvres d'art de grande taille ou techniquement difficiles par le biais d'entités et de ressources au-delà du studio d'un artiste individuel. Lorsque des artistes ou des designers sont incapables ou choisissent de ne pas réaliser leurs dessins ou conceptions, ils peuvent faire appel à une entreprise de fabrication d'œuvres d'art. En règle générale, une entreprise de fabrication d'art a accès aux ressources, aux machines et technologies spécialisées et à la main-d'œuvre nécessaires pour exécuter des projets particulièrement complexes. Selon un article du New York Times de 2018, les fabricants d'art ont pris une plus grande importance ces dernières années, car les écoles d'art ont mis l'accent sur les idées et les concepts plutôt que sur l'exécution et les artistes contemporains sont devenus moins présents dans leur propre travail.
Foire d'art/Foire d'art :
La foire d'art peut faire référence à : Exposition d'art, un espace dans lequel des objets d'art rencontrent un public Festival d'art, un festival qui peut englober un large éventail de genres artistiques The Art Fair, un roman américain de 1996 de David Lipsky
Film d'art/Film d'art :
Un film d'art (ou film d'art et d'essai) est généralement un film indépendant, destiné à un marché de niche plutôt qu'à un public de masse. Il est "destiné à être une œuvre artistique sérieuse, souvent expérimentale et non conçue pour un attrait de masse", "réalisée principalement pour des raisons esthétiques plutôt que pour un profit commercial", et contient "un contenu non conventionnel ou hautement symbolique". Critiques de cinéma et chercheurs en études cinématographiques définissent généralement un film d'art comme possédant "des qualités formelles qui les distinguent des films hollywoodiens traditionnels". Ces qualités peuvent inclure (entre autres éléments) : un sens du réalisme social ; l'accent mis sur l'expressivité de l'auteur du réalisateur ; et une concentration sur les pensées, les rêves ou les motivations des personnages, par opposition au déroulement d'une histoire claire et axée sur les objectifs. Le spécialiste du cinéma David Bordwell décrit le cinéma d'art comme "un genre cinématographique, avec ses propres conventions distinctes". Les producteurs de films d'art présentent généralement leurs films dans des salles spéciales (cinémas de répertoire ou, aux États-Unis, cinémas d'art et d'essai) et dans des festivals de cinéma. Le terme film d'art est beaucoup plus largement utilisé en Amérique du Nord, au Royaume-Uni et en Australie, par rapport à l'Europe continentale, où les termes films d'auteur et cinéma national (par exemple cinéma national allemand) sont utilisés à la place. Puisqu'ils s'adressent à de petits publics de niche, les films d'art acquièrent rarement le soutien financier qui permettrait d'importants budgets de production associés à des films à succès largement diffusés. Les réalisateurs de films d'art compensent ces contraintes en créant un type de film différent, qui utilise généralement des acteurs de cinéma moins connus (ou même des acteurs amateurs), et des décors modestes pour faire des films qui se concentrent beaucoup plus sur le développement d'idées, l'exploration de nouvelles techniques narratives. , et essayer de nouvelles conventions cinématographiques. Ces films contrastent fortement avec les films à succès grand public, qui sont généralement davantage orientés vers la narration linéaire et le divertissement grand public. Le critique de cinéma Roger Ebert a qualifié Chungking Express , un film d'art de 1994 acclamé par la critique, "en grande partie une expérience cérébrale" que l'on apprécie "à cause de ce que vous savez du cinéma". Cela dit, certains films d'art peuvent élargir leur attrait en proposant certains éléments de genres plus familiers tels que le documentaire ou la biographie. Pour la promotion, les films d'art s'appuient sur la publicité générée par les critiques de films; discussion sur le film par des chroniqueurs artistiques, des commentateurs et des blogueurs ; et la promotion de bouche à oreille par les membres du public. Étant donné que les films d'art ont de faibles coûts d'investissement initiaux, ils n'ont qu'à attirer une petite partie du grand public pour devenir financièrement viables.
Financement de l'art/Financement de l'art :
Le financement de l'art et le conseil en financement de l'art sont des termes faisant référence à un ensemble de services financiers fournis par certaines maisons de vente aux enchères, banques et sociétés de conseil, et commercialisés auprès des clients de ces sociétés qui sont des collectionneurs d'art ou des artistes.
Art for_All_Foundation/Fondation Art pour tous :
L'Art for All Foundation and Center est une organisation thaïlandaise à but non lucratif parrainée par la Commission économique et sociale des Nations Unies pour l'Asie et le Pacifique (ESCAP), la Commission thaïlandaise de l'enseignement supérieur, le ministère de la Culture et l'Université Chulalongkorn qui organise des programmes pour les jeunes avec handicapées et d'autres groupes défavorisés tels que les enfants indigènes des tribus montagnardes ainsi que les détenus.
Art for_Art%27s_Sake_(film)/L'art pour l'art (film) :
Art for Art's Sake or Here's to Success (suédois : Fram för framgång) est un film dramatique suédois de 1938 réalisé par Gunnar Skoglund et mettant en vedette Jussi Björling, Åke Ohberg et Anders Henrikson. Les décors du film ont été conçus par Arne Åkermark.
Art for_Art%27s_Sake_(chanson)/L'art pour l'art (chanson) :
"Art for Arts Sake" est un single de 10cc sorti en 1975. Il est tiré de How Dare You! album et a atteint la 5e place du classement des singles britanniques. Le titre de la chanson vient du fait que le père de Graham Gouldman, Hymie Gouldman, avait souvent l'habitude de dire "L'art pour l'art, l'argent pour l'amour de Dieu, d'accord".
L'art pour_Obama/L'art pour Obama :
Art For Obama: Designing Manifest Hope and the Campaign for Change est un livre d'art de 2009 consacré à la présidence américaine de Barack Obama. Le livre est édité par l'artiste Shepard Fairey.
Art for_Starters/Art pour débutants :
Art for Starters est un groupe originaire de Mesa, en Arizona. Il s'agit essentiellement du projet solo de l'ancien leader de Before Braille, David Jensen.
L'art pour_le_monde/L'art pour le monde :
ART for The World est une organisation non gouvernementale (ONG) associée au Département de l'information des Nations Unies (UNDPI). Elle est basée à Genève, en Suisse, et depuis 2005 collabore avec son association sœur ART pour The World Europa, basée à Milan, en Italie. En 1995, Adelina von Fürstenberg fonde ART for The World au sein de Dialogues de Paix, une exposition internationale d'art contemporain dont elle est commissaire à l'occasion du 50e anniversaire des Nations Unies.
L'art pour_l'art/L'art pour l'art :
L'art pour l'art est un mouvement international d'art contemporain. Semblable au slogan du XIXe siècle Art for art's sake ou « l'art pour l'art », l'œuvre d'art est considérée comme un produit autosuffisant, indépendant de la personnalité de son créateur.
L'art pour_l'art%27s_sake/L'art pour l'art :
L'art pour l'art - le rendu anglais habituel de l'art pour l'art (prononcé [lar pur lar]), un slogan français du début du XIXe siècle - est une expression qui exprime la philosophie selon laquelle la valeur intrinsèque de l'art, et seul art « véritable », est séparé de toute fonction didactique, morale, politique ou utilitaire. De telles œuvres sont parfois décrites comme autotéliques (du grec : autoteles, « complètes en elles-mêmes »), un concept qui a été élargi pour englober les êtres humains « intériorisés » ou « auto-motivés ». Le terme est parfois utilisé commercialement. Une version latine de cette phrase, ars gratia artis ( latin classique : [ˈars ˈɡraːtia artis] ), est utilisée comme devise par Metro-Goldwyn-Mayer et apparaît dans le film défilant autour de la tête rugissante de Leo the Lion dans son mouvement emblématique image logo.
Art for_charity/Art pour la charité :
L'art pour la charité est la pratique d'utiliser l'art d'une manière ou d'une autre pour servir des causes caritatives. Les artistes peuvent produire des œuvres spécifiquement destinées à être vendues à des fins caritatives ou les créateurs ou propriétaires d'œuvres artistiques peuvent faire don de tout ou partie du produit de la vente à une bonne cause. Ces ventes se font souvent aux enchères. Les investisseurs regardent à la fois les ventes aux enchères et les dons aux œuvres caritatives liées à l'art lorsqu'ils envisagent des opportunités de philanthropie. Alternativement, les œuvres peuvent être exposées (et éventuellement disponibles à la vente) avec la vente de billets offerte. Ces expositions intègrent parfois des œuvres d'art liées à ou par ceux qui bénéficient des dons de bienfaisance.
Contrefaçon d'art/Faux d'art :
La contrefaçon d'art est la création et la vente d'œuvres d'art qui sont faussement attribuées à d'autres artistes, généralement plus célèbres. La falsification d'art peut être extrêmement lucrative, mais les techniques modernes de datation et d'analyse ont rendu l'identification des œuvres d'art falsifiées beaucoup plus simple.
Formes d'art_du_Manipur/Formes d'art du Manipur :
Voici une liste des formes d'art notables du Manipur
Galeries d'art,_centres_et_collections_en_Irlande/Galeries d'art, centres et collections en Irlande :
Il s'agit d'une liste de galeries d'art, de centres et de collections d'art privés et publics sur l'île d'Irlande, classés par comté et par ville.
Galeries d'art_à_Sofia/Galeries d'art à Sofia :
Sofia abrite de nombreuses galeries d'art. Les beaux-arts, aussi appelés arts visuels, sont présentés au public dans des galeries nationales, municipales ou privées, ainsi que sur des galeries Internet. Des expositions permanentes, temporaires, itinérantes ou mixtes d'art contemporain, moderne et de la Renaissance sont présentées.
Galerie d'art/Galerie d'art :
Une galerie d'art est une salle ou un bâtiment dans lequel des œuvres d'art visuel sont exposées. Dans les cultures occidentales du milieu du XVe siècle, une galerie était un passage couvert long et étroit le long d'un mur, utilisé pour la première fois dans le sens d'un lieu d'art dans les années 1590. La longue galerie dans les maisons élisabéthaines et jacobines servait à plusieurs fins, y compris l'exposition d'art. Historiquement, l'art est présenté comme une preuve de statut et de richesse, et pour l'art religieux comme des objets de rituel ou la représentation de récits. Les premières galeries étaient dans les palais de l'aristocratie, ou dans les églises. Au fur et à mesure que les collections d'art se sont développées, les bâtiments sont devenus dédiés à l'art, devenant les premiers musées d'art. Parmi les raisons modernes pour lesquelles l'art peut être exposé figurent le plaisir esthétique, l'éducation, la préservation historique ou à des fins de marketing. Le terme est utilisé pour désigner des établissements ayant des fonctions sociales et économiques distinctes, tant publiques que privées. Les institutions qui conservent une collection permanente peuvent être appelées "galerie d'art" ou "musée d'art". Dans ce dernier cas, les salles où l'art est exposé dans le bâtiment du musée sont appelées galeries. Les galeries d'art qui ne conservent pas de collection sont soit des entreprises commerciales pour la vente d'œuvres d'art, soit des espaces similaires exploités par des coopératives d'art ou des organisations à but non lucratif. Dans le cadre du monde de l'art, les galeries d'art jouent un rôle important dans le maintien du réseau de liens entre artistes, collectionneurs et experts en art qui définissent les beaux-arts.
Art gallery_problem/Problème de galerie d'art :
Le problème de galerie d'art ou problème de musée est un problème de visibilité bien étudié en géométrie computationnelle. Il provient d'un problème réel de garder une galerie d'art avec le nombre minimum de gardes qui, ensemble, peuvent observer toute la galerie. Dans la version géométrique du problème, la disposition de la galerie d'art est représentée par un simple polygone et chaque gardien est représenté par un point dans le polygone. On dit qu'un ensemble de points garde un polygone si, pour chaque point du polygone, il y a un certain q ∈ S {\displaystyle q\in S} tel que le segment de droite p {\displaystyle p} entre p {\displaystyle p} et q {\displaystyle q} ne quitte pas le polygone.
Jeu d'art/Jeu d'art :
Un jeu d'art (ou jeu d'art et d'essai) est une œuvre d'art logiciel numérique interactif de nouveaux médias ainsi qu'un membre du sous-genre « jeu d'art » du jeu vidéo sérieux. Le terme "jeu d'art" a été utilisé pour la première fois dans le monde académique en 2002 et il en est venu à être compris comme décrivant un jeu vidéo conçu pour mettre l'accent sur l'art ou dont la structure est destinée à produire une sorte de réaction chez son public. Les jeux d'art sont interactifs (généralement compétitifs contre l'ordinateur, soi-même ou d'autres joueurs) et le résultat de l'intention artistique de la partie offrant la pièce à considérer. Ils font également tout leur possible pour avoir un look unique et non conventionnel, se distinguant souvent par leur beauté esthétique ou leur complexité de conception. Le concept a été étendu par certains théoriciens de l'art au domaine du jeu modifié ("modded") lorsque des modifications ont été apportées à des jeux non artistiques existants pour produire des résultats graphiques destinés à être considérés comme une présentation artistique, par opposition aux modifications destinées à changer les scénarios de jeu ou pour raconter des histoires. Les jeux modifiés créés à des fins artistiques sont parfois appelés «art du jeu vidéo». Les jeux d'art sont souvent considérés comme un moyen de démontrer que les jeux vidéo sont des œuvres d'art.
Verre d'art/Verre d'art :
Le verre d'art est un sous-ensemble de l'art du verre, ce dernier couvrant toute la gamme de l'art du verre. Le verre d'art ne se réfère normalement qu'aux pièces fabriquées depuis le milieu du XIXe siècle, et généralement à celles purement faites de sculpture ou d'art décoratif, sans fonction utilitaire principale, comme servir de récipient à boire, bien que le vitrail protège bien sûr des intempéries. , et les bols peuvent encore être utiles.Le terme est le plus utilisé pour le verre américain, où le style est "le résultat logique de la demande américaine de nouveauté au XIXe siècle et se caractérisait par une forme élaborée et une finition exotique", mais pas toujours le la plus haute qualité d'exécution. Il y avait un grand intérêt pour les effets de couleurs complexes et le verre émaillé peint. Pour les historiens de l'art, la phase «verre d'art» a remplacé la «période brillante» de la décoration lourde de la haute victorienne, et a été à son tour remplacée vers 1900 par le verre Art nouveau, mais le terme peut toujours être utilisé à des fins de marketing pour désigner des produits contemporains . En fait, le style " Période brillante ", qui s'appuyait sur du verre profondément taillé, a continué à être fabriqué jusqu'en 1915 environ, et parfois par la suite. Le verre est parfois combiné avec d'autres matériaux. Les techniques comprennent le verre qui a été placé dans un four afin qu'il prenne une forme, le soufflage du verre, le verre sablé, la verrerie en feuille de cuivre, le verre peint et gravé. En général, le terme est limité aux pièces relativement modernes fabriquées par des personnes qui se considèrent comme des artistes qui ont choisi de travailler dans le milieu du verre et qui conçoivent et fabriquent leurs propres pièces comme des beaux-arts, plutôt que par des artisans verriers traditionnels, qui produisent souvent des pièces. conçus par d'autres, bien que leurs pièces puissent certainement faire partie de l'art. Le verre de studio est un autre terme souvent utilisé pour le verre moderne fabriqué à des fins artistiques. Le verre d'art a gagné en popularité ces dernières années et de nombreux artistes sont devenus célèbres pour leur travail. et, par conséquent, de plus en plus de collèges offrent des cours sur le travail du verre. Au début du XXe siècle, le verre d'art était généralement fabriqué par des équipes d'ouvriers d'usine, prenant du verre dans des fours contenant mille livres ou plus. Cette forme de verre d'art, dont Tiffany et Steuben aux États-Unis, Gallé en France et Hoya Crystal au Japon, Royal Leerdam Crystal aux Pays-Bas et Orrefors et Kosta Boda en Suède sont peut-être les plus connues, est née du système d'usine en où tous les objets en verre ont été soufflés à la main ou au moule par des équipes. La plupart des verres d'art anciens étaient fabriqués dans des usines, en particulier au Royaume-Uni, aux États-Unis et en Bohême, où les articles étaient fabriqués selon une norme ou un «modèle». Cela semblerait contraire à l'idée que le verre d'art est distinctif et montre une compétence individuelle. Cependant, l'importance de la décoration - à l'époque victorienne en particulier - signifiait qu'une grande partie du talent artistique incombait au décorateur. Toute hypothèse aujourd'hui selon laquelle les articles fabriqués en usine étaient nécessairement fabriqués à la machine est incorrecte. Jusqu'en 1940 environ, la plupart des procédés de fabrication du verre d'art décoratif étaient exécutés à la main.
Groupe artistique/Groupe artistique :
Un groupe artistique fait référence à une association d'artistes qui peuvent travailler (ou vivre) en commun, dans le but de faciliter la création artistique, soit celle appartenant à l'individu, soit au collectif. Les groupes artistiques étaient généralement formés par des artistes établis, tels qu'Andy Warhol, en tant qu'assistants embauchés de l'artiste, opérant collectivement sous l'atelier de l'artiste. Plus récemment, des groupes artistiques ont été formés par des artistes inconnus, mettant en commun leurs ressources limitées vers l'objectif collectif. Des groupes se sont formés en tant que groupes d'action politique, pour travailler sur des projets de plaidoyer politique, tandis que d'autres groupes se sont formés simplement pour des raisons de travailler et de vivre dans un environnement propice aux intérêts particuliers des artistes. Dans ce contexte, certains groupes ont commencé à créer des œuvres collectives d'art, de musique, d'écriture, etc., sous le nom de leur groupe.
Gestionnaire d'art/Gestionnaire d'art :
Un gestionnaire d'art, aussi parfois appelé préparateur d'art, est une personne formée qui travaille directement avec des objets dans des musées, des galeries d'art et divers autres lieux, y compris des collectionneurs privés, des collections d'art d'entreprise, des collections d'art publiques et diverses autres institutions. Les gestionnaires d'œuvres d'art travaillent en coordination avec les registraires, les gestionnaires de collections, les conservateurs-restaurateurs, les concepteurs d'expositions et les conservateurs, entre autres, pour s'assurer que les objets sont manipulés et entretenus en toute sécurité. Souvent, ils sont responsables de l'emballage et du déballage des œuvres d'art, de l'installation et de la désinstallation des œuvres d'art dans les expositions et du déplacement des œuvres d'art dans le musée et les espaces de stockage. Ils font partie intégrante du soin d'un musée et des collections.
Histoire de l'art/Histoire de l'art :
L'histoire de l'art est l'étude des objets esthétiques et de l'expression visuelle dans un contexte historique et stylistique. Traditionnellement, la discipline de l'histoire de l'art mettait l'accent sur la peinture, le dessin, la sculpture, l'architecture, la céramique et les arts décoratifs, mais aujourd'hui, l'histoire de l'art examine des aspects plus larges de la culture visuelle, y compris les divers résultats visuels et conceptuels liés à une définition en constante évolution de l'art. L'histoire de l'art englobe l'étude d'objets créés par différentes cultures à travers le monde et à travers l'histoire qui transmettent un sens, une importance ou une utilité principalement à travers des représentations visuelles. En tant que discipline, l'histoire de l'art se distingue de la critique d'art, qui vise à établir une valeur artistique relative sur des œuvres individuelles par rapport à d'autres de style comparable ou à sanctionner un style ou un mouvement entier; et la théorie de l'art ou "philosophie de l'art", qui s'intéresse à la nature fondamentale de l'art. Une branche de ce domaine d'étude est l'esthétique, qui comprend l'étude de l'énigme du sublime et la détermination de l'essence de la beauté. Techniquement, l'histoire de l'art n'est pas cela, car l'historien de l'art utilise la méthode historique pour répondre aux questions : Comment l'artiste en est-il venu à créer l'œuvre ?, Qui étaient les commanditaires ?, Qui étaient leurs professeurs ?, Qui était le public ?, Qui étaient leurs disciples ?, Quelles forces historiques ont façonné l'œuvre de l'artiste et comment celui-ci et la création ont-ils tour à tour influencé le cours des événements artistiques, politiques et sociaux ? On peut cependant se demander si de nombreuses questions de ce type peuvent être résolues de manière satisfaisante sans tenir compte également des questions fondamentales sur la nature de l'art. Le fossé disciplinaire actuel entre l'histoire de l'art et la philosophie de l'art (l'esthétique) entrave souvent cette enquête.
Histoire de l'art_(homonymie)/Histoire de l'art (homonymie) :
L'histoire de l'art est l'étude académique des objets d'art dans leur développement historique et leurs contextes stylistiques. L'histoire de l'art peut également faire référence à : Art History (journal), une revue académique de l'Association of Art Historians History of art, l'histoire des arts visuels de la peinture, de la sculpture et de l'architecture Art History (album), un album de 2012 de Chicago indie quatuor pop California Wives Art History (film) , un film dramatique américain de 2011
Horreur artistique/Horreur artistique :
L'horreur d'art ou d'art et d'essai (parfois appelée horreur élevée) est un sous-genre à la fois des films d'horreur et des films d'art. Il explore et expérimente les usages artistiques de l'horreur.
Art en_action/Art en action :
Art in Action était une exposition d'artistes au travail présentée pendant quatre mois à l'été 1940 à la Golden Gate International Exposition (GGIE) qui s'est tenue sur Treasure Island. De nombreux artistes célèbres ont participé à l'exposition, dont Dudley C. Carter, sculpteur sur bois et Diego Rivera, muraliste. Rivera a peint son œuvre monumentale Pan American Unity à Art in Action.
Art in_Action_(TV_series)/Art in Action (séries TV) :
Art in Action était une série télévisée sur les arts canadiens qui a été diffusée sur CBC Television de 1959 à 1961.
Art in_Action_at_Waterperry/Art en action à Waterperry :
Art in Action était un festival d'art et d'artisanat organisé sur le terrain de Waterperry House dans l'Oxfordshire. Pendant 4 jours chaque mois de juillet, des artistes et artisans installent leurs ateliers sous des chapiteaux pour que les visiteurs puissent les voir travailler. Les visiteurs pouvaient interagir avec les artistes, voir leurs œuvres exposées, ainsi qu'acheter et commander des œuvres d'art. Art in Action a pris fin après 40 ans en 2016 en raison du départ à la retraite de membres clés du personnel et des difficultés à trouver des remplaçants. Handmade in Britain espère reprendre cette exposition à partir de 2021. Le premier Art in Action a eu lieu en 1977 avec environ 50 artistes et 14 000 visiteurs. Depuis lors, il est passé à quelque 400 artistes et interprètes et 25 000 visiteurs. C'était un pèlerinage annuel pour de nombreuses personnes intéressées par les arts visuels. Art in Action était organisé par la School of Economic Science, un organisme de bienfaisance enregistré propriétaire de Waterperry House. La plupart des 600 membres du personnel présents à l'événement étaient des bénévoles de l'école. Cependant, ces dernières années, un nombre croissant de bénévoles sont venus d'ailleurs. Art en action a fourni un environnement créatif dans lequel les artistes et les artisans pouvaient démontrer leurs compétences et dialoguer avec le public. Chaque chapiteau accueillait des artistes d'une discipline similaire comme la peinture, la sculpture, la gravure, la calligraphie, l'illustration, le textile, la menuiserie, la ferronnerie, la joaillerie, la céramique et le verre. Certains artistes et interprètes sont venus de pays du monde entier. Sous un grand chapiteau "Marché", plus de 100 fabricants de créateurs vendaient leurs produits. Ceux-ci comprenaient la maroquinerie, les jouets, la céramique, le verre, les bijoux, les chapeaux, les soins du corps et les textiles. Art in Action proposait une gamme de cours pratiques disponibles pour les enfants et les adultes. Les exemples comprenaient la poterie, la fabrication de bijoux, la sculpture sur bois, la gravure sur verre et l'aquarelle. Certains cours pour adultes étaient dispensés par des collèges et institutions d'art britanniques. Il s'agit notamment de City and Guilds, de la Prince's School of Traditional Arts, de la Guild of Glass Engravers, de l'Art Academy of South East London et du West Dean College. Les performances en direct comprenaient des récitals de musique, des arts de la scène, des conférences et des contes pour enfants. Les visiteurs pouvaient également visiter les jardins de Waterperry et faire une visite guidée des fresques à l'intérieur de Waterperry House. L'événement a été organisé par Jeremy Sinclair de 2005 à 2014.
Art en_Amérique/Art en Amérique :
Art in America est un magazine international mensuel illustré se concentrant sur le monde de l'art contemporain aux États-Unis, y compris des profils d'artistes et de genres, des mises à jour sur les mouvements artistiques, des critiques de spectacles et des calendriers d'événements. Il est destiné aux collectionneurs, artistes, marchands d'art, professionnels de l'art et autres lecteurs intéressés par le monde de l'art. Il a un site Web actif, ArtinAmericaMagazine.com. L'art en Amérique est influent dans la façon dont il promeut l'exploration des mouvements artistiques importants. Au fil des ans, il a continué à toucher un large public de personnes intéressées par ces tendances et mouvements culturels.
Art in_America_ (groupe)/Art in America (groupe) :
Art in America est un groupe de rock progressif américain qui a connu le succès au début des années 1980. Ils sont surtout connus pour leur chanson éponyme "Art in America" ​​sortie en 1983.
Art en architecture/Art en architecture :
Art in Architecture, (parfois appelé Art-in-Architecture) un programme de la General Services Administration, supervise la création d'art dans les bâtiments fédéraux américains qui a été lancé en 1962. L'art commandé et sélectionné est financé par la réservation d'un demi pour cent de les coûts de construction prévus. En 1982, le programme avait financé 250 œuvres pour un coût de 8 600 000 $ US (équivalent à 23 062 828 $ en 2020). Les artistes éligibles pour être sélectionnés pour ces commandes doivent faire partie du National Artist Registry de la GSA, qui est ouvert à tous les artistes américains qui sont citoyens ou résidents permanents. Une fois la pièce créée et installée, elle fait partie du programme Beaux-Arts de la GSA, qui est en partie responsable de l'entretien de la pièce. L'arc incliné de Richard Serra était une installation controversée dans le cadre de ce programme, dont les directives changent parfois entre les administrations présidentielles. En 2020, l'administration Trump a édicté une règle pour les travaux commandés dans le cadre du programme. La règle controversée exigeait que les œuvres décrivent "des Américains ou des événements historiquement significatifs" ou illustrent les idéaux sur lesquels le pays a été fondé. La commande exigeait également que les œuvres utilisent des représentations réalistes de personnes, et non des représentations abstraites ou modernistes. La règle a été inversée par le président Biden en 2022.
Art en_Australie/Art en Australie :
Art in Australia était un magazine australien publié entre 1916 et 1942. Les fondateurs étaient Sydney Ure Smith et Bertram Stevens. Il a été publié par Angus & Robertson en 1917-1918, Art in Australia Ltd dans les années 1918-1934, et dans la dernière décennie (1934-1942) a été publié par le Sydney Morning Herald. La publication était semestrielle 1916-1920, trimestriel de 1921 à 1930, bimestriel de 1930 à 1933 et retour au trimestriel de 1934 à 1942. Certaines éditions étaient spécifiquement consacrées à des artistes individuels ou avaient présenté des artistes. 1916 – N°11. 1921 Nouvelle série Vol.1. N°1. (Février 1922) – Vol.1. No.2 (mai 1922) Troisième série No.1. (Août 1922) - No.81 (Novembre 1940) Série 4, No.1. (Mars 1941) - No.6 (Juin 1942) Les éditeurs étaient : 1916–1938 Sydney Ure Smith 1916–1922 Bertram Stevens 1916–1921 Charles Lloyd Jones 1922–1938 Leon Gellert 1938–1940 Kenneth Wilkinson 1941–1942 Peter Bellew
Art in_Bloom/Art en fleurs :
L'expression Art In Bloom est souvent utilisée comme titre de diverses expositions organisées chaque année, généralement au printemps, dans les musées d'art. L'expression a été créée par un musée des beaux-arts de Boston, bénévole, Lorraine M. Pitts, qui a également aidé à fonder le musée Danforth à Framingham, MA. L'exposition est composée d'œuvres d'art visuel traditionnelles et d'arrangements floraux correspondants réalisés par des fleuristes professionnels locaux et des membres de clubs de jardinage. L'exposition originale a eu lieu au Museum of Fine Arts de Boston en 1976, où elle a lieu chaque année; d'autres institutions accueillant de telles expositions comprennent le Minneapolis Institute of Arts , la Art Gallery of Greater Victoria , le North Carolina Museum of Art et le Saint Louis Art Museum à St. Louis, Missouri . Des universités telles que le musée d'art et d'archéologie de l'Université du Missouri à Columbia, dans le Missouri, organisent également des expositions «Art in Bloom».
Art à_Cardiff/Art à Cardiff :
Art in Cardiff fait référence à la culture des arts visuels à Cardiff, capitale du Pays de Galles. Les arts visuels à Cardiff ont une histoire beaucoup plus récente que de nombreuses villes britanniques, car il s'agissait d'une très petite ville jusqu'à ce qu'une croissance rapide ait eu lieu au milieu du XIXe siècle. La Cardiff School of Art est née en 1865 et la première grande exposition d'art public a eu lieu en 1870. La ville est devenue une ville en 1905, après quoi elle a gagné en importance, par exemple avec la création d'un nouveau musée national. Dans le 21e siècle, il a une scène artistique florissante.
Art en_défense_de_l'humanisme/Art en défense de l'humanisme :
Aidoh est un raccourci pour Art In Defence Of Humanism. AIDOH a été créé par l'artiste danois Jens Galschiot en tant que groupe se concentrant sur le traitement inhumain des personnes dans différents pays liés à des intérêts politiques, religieux ou économiques. Le groupe a, à plusieurs reprises, lancé un débat public sur la surconsommation de chaque pays ou le traitement répressif des gouvernements envers son propre peuple.
Art in_Dubai/Art à Dubaï :
L'art à Dubaï est une activité émergente à Dubaï, aux Émirats arabes unis. De nouvelles galeries telles que Carbon 12 Dubai, des foires d'art, des artistes, des mécènes et des collectionneurs se sont multipliés.
Programme_Art_dans_les_ambassades/Programme Art dans les ambassades :
Art in Embassies, un bureau du Département d'État américain, promeut la diplomatie culturelle par le biais d'expositions, de collections permanentes, de commandes spécifiques à des sites et d'échanges d'artistes dans plus de 200 ambassades et consulats américains à travers le monde. Grâce à l'art, le public international acquiert une idée de la qualité, de la portée et de la diversité de l'art et de la culture américains et du pays d'accueil. Initié par le président Kennedy en 1963, le programme est financé par le Département d'État américain.
Art en général/Art en général :
Art in General était un espace d'exposition d'art contemporain à but non lucratif connu pour ses projets dynamiques et novateurs en tant qu'espace alternatif formidable et de longue date à New York, axé sur l'offre de ressources et d'opportunités significatives aux artistes au début de leur carrière. Fondée en 1981 par les artistes Martin Weinstein et Teresa Liszka et située à l'origine dans le bâtiment General Hardware à New York - d'où le nom de l'organisation, Art in General - l'institution a produit et présenté des programmes et des expositions distinctifs présentant de nouvelles œuvres d'artistes locaux et internationaux. [1] Depuis sa première exposition en 1982, Art in General a fourni des espaces permettant aux artistes d'exposer des œuvres non conventionnelles et d'échanger des idées avec leurs pairs pendant près de 40 ans, ce qui en fait l'une des plus anciennes organisations d'artistes à but non lucratif fondées par des artistes à New York. L'art en général a organisé des expositions ; commande de nouveaux projets artistiques; accueilli des programmes de résidence d'artistes nationaux et internationaux ; et a facilité des programmes publics gratuits réguliers avec des artistes, des critiques et des conservateurs de renom. Plus de 2 000 artistes ont exposé leur travail à Art in General dans un large éventail de disciplines - peinture, sculpture, dessin, photographie, art de l'installation, audio, art vidéo, art de la performance et art des nouveaux médias.

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