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mardi 12 avril 2022

Art and antiques


Art in_Manille/Art à Manille :
Art in Manila était un "supergroupe" de rock indépendant américain composé principalement de musiciens basés dans les États du Midwest du Nebraska et du Kansas. Après s'être formé à l'origine sous le nom d'Art Bell (du nom du diffuseur et auteur américain), le groupe a ensuite changé de nom. Leur album Set the Woods On Fire (2007) a été enregistré par Joel Petersen (The Faint, Broken Spindles) et mixé par Andy LeMaster (Now It's Overhead). Au moment de l'enregistrement de l'album, le groupe était composé de Steve Bartolomei (Mal Madrigal), Corey Broman (Dance Me Pregnant), Orenda Fink (Azure Ray), Ryan Fox (The Good Life), Dan McCarthy (McCarthy Trenching) et Adrianne Verhoeven (L'anniversaire); les anciens membres incluent Stefanie Drootin (The Good Life) et Chris Senseney (Big Harp).
Art in_Medieval_Scotland/Art in_Medieval_Scotland :
L'art dans l'Écosse médiévale comprend toutes les formes de production artistique à l'intérieur des frontières modernes de l'Écosse, entre le Ve siècle et l'adoption de la Renaissance au début du XVIe siècle. Au début du Moyen Âge, il existait des cultures matérielles distinctes évidentes dans les différentes fédérations et royaumes de ce qui est aujourd'hui l'Écosse. L'art picte était le seul style médiéval écossais unique; on peut le voir dans la vaste survie des pierres sculptées, en particulier dans le nord et l'est du pays, qui contiennent une variété d'images et de motifs récurrents. On peut également le voir dans le travail du métal élaboré qui survit en grande partie dans les trésors enterrés. L'art irlando-écossais du royaume de Dál Riata suggère que ce fut l'un des lieux, carrefour entre les cultures, où le style insulaire s'est développé. L'art insulaire est le nom donné au style commun qui s'est développé en Grande-Bretagne et en Irlande à partir du VIIIe siècle et qui est devenu très influent en Europe continentale et a contribué au développement des styles roman et gothique. On peut le voir dans les bijoux élaborés, faisant souvent un usage intensif de pierres semi-précieuses, dans les hautes croix fortement sculptées trouvées en particulier dans les Highlands et les îles, mais distribuées à travers le pays et en particulier dans les manuscrits illustrés très décorés tels que le Livre de Kells, qui peut avoir été commencé ou entièrement créé au centre monastique d'Iona. L'Écosse a adopté le style roman relativement tard et a conservé et ravivé des éléments de son style après que le style gothique soit devenu dominant à partir du XIIIe siècle. Une grande partie des meilleures œuvres d'art écossaises du Haut Moyen Âge et de la fin du Moyen Âge étaient soit de nature religieuse, soit réalisées en métal et en bois, et n'ont pas survécu à l'impact du temps et de la Réforme. Cependant, des exemples de sculpture existent dans le cadre de l'architecture de l'église, y compris des preuves d'intérieurs d'église élaborés. A partir du XIIIe siècle, il existe un nombre relativement important d'effigies monumentales. L'artisanat autochtone peut être vu dans une variété d'articles. L'illustration visuelle peut être vue dans l'illumination des chartes et des survivances occasionnelles de peintures d'église. Les copies survivantes de portraits individuels sont relativement grossières, mais les œuvres ou les artistes commandés sur le continent, en particulier aux Pays-Bas, sont plus impressionnants.
L'art en_Allemagne_nazie/L'art en Allemagne nazie :
Le régime nazi en Allemagne a activement promu et censuré les formes d'art entre 1933 et 1945. En devenant dictateur en 1933, Adolf Hitler a donné à sa préférence artistique personnelle force de loi à un degré rarement connu auparavant. Dans le cas de l'Allemagne, le modèle devait être l'art classique grec et romain, vu par Hitler comme un art dont la forme extérieure incarnait un idéal racial intérieur. Il devait, en outre, être compréhensible pour l'homme moyen. Cet art devait être à la fois héroïque et romantique. Les nazis considéraient la culture de la période de Weimar avec dégoût. Leur réponse découlait en partie d'une esthétique conservatrice et en partie de leur détermination à utiliser la culture comme propagande.
Art in_Odd_Places/Art in Odd Places :
Art in Odd Places (AiOP) est un projet d'art public basé à New York qui explore les liens entre les espaces publics, la circulation piétonne et les interventions transitoires éphémères. Il a lieu chaque octobre.[1]
Art in_Paris/Art à Paris :
Art in Paris est un article sur la culture et l'histoire de l'art à Paris, la capitale de la France. Pendant des siècles, Paris a attiré des artistes du monde entier, venus dans la ville pour se former et s'inspirer de ses ressources artistiques et de ses galeries. En conséquence, Paris a reçu une réputation de "ville d'art". Abritant certains des musées et galeries les plus célèbres au monde, dont le Louvre et le musée d'Orsay, la ville abrite aujourd'hui une communauté florissante d'artistes. Paris est reconnue mondialement pour ses monuments publics et ses chefs-d'œuvre d'architecture, notamment l'Arc de Triomphe et un symbole de la France, la Tour Eiffel.
Art in_Print/Art in Print :
Art in Print est un magazine d'art bimestriel international et un site Web consacré à l'histoire et à la culture de l'image imprimée. Sa devise fondatrice, volée à Leo Steinberg, est "sans imprimés, vous ne comprenez pas la culture du monde".
Art in_Public_Places/Art in Public Places :
Art in Public Places (AiPP) est un terme commun pour les programmes d'art public au niveau des gouvernements locaux (villes, pays). L'art public est important dans le monde de l'art, parmi les conservateurs, les organismes de commande et les praticiens de l'art public, pour qui il signifie une pratique de travail de spécificité de site, d'implication communautaire et de collaboration. Elle peut être à la fois permanente et temporaire, interne et externe, à grande ou petite échelle. Le terme ne fait pas référence à l'art public en général ou à des œuvres d'art publiques individuelles. Les programmes d'art dans les lieux publics sont administrés publiquement, souvent supervisés par des comités d'examen de l'art public et du personnel permanent (coordonnateurs des arts). Sous les auspices du gouvernement local, ils peuvent recevoir des fonds publics ainsi que des fonds privés. L'art public est l'art dans n'importe quel média qui a été planifié et exécuté avec l'intention d'être mis en scène dans le domaine public physique. Street art à Melbourne Ce sont des exemples de la façon dont le conseil de Melbourne permet aux artistes de montrer leurs talents au monde.
Art en_ruines/Art en ruines :
Art in Ruins a été formé en 1984 en tant que pratique interventionniste collaborative dans l'art et l'architecture, mettant en scène des expositions et publiant des textes, par Hannah Vowles et Glyn Banks.
Art à_Sheffield/Art à Sheffield :
Sheffield a une grande population d'artistes visuels amateurs, actifs et professionnels. Parmi les artistes notables liés à Sheffield figurent John Ruskin, Joe Scarborough, Pete McKee, la Designers Republic, Thom Wilson et Kid Acne. Les galeries de Sheffield comprennent les galeries du millénaire (contenant également la galerie Ruskin), construites en 2001, la galerie d'art Graves (au dernier étage du bâtiment d'époque Art déco qui abrite la bibliothèque centrale de Sheffield) la galerie du site (une galerie de médias d'arts numériques) S1 Artspace, Bloc Projects et Sheffield Institute of Arts Gallery (qui fait partie de l'Université Sheffield Hallam). Le Weston Park Museum comprend le Sheffield City Museum et la Mappin Art Gallery. La Site Gallery, ainsi que des studios tels que Yorkshire ArtSpace et l'espace d'arts participatifs Access Space, sont situés dans le quartier des industries culturelles de Sheffield. Cette zone abrite également le Showroom Cinema, Sheffield, un cinéma d'art et d'essai qui présente occasionnellement de l'art. Blighty Art a ouvert ses portes en 2012 sur Ecclesall Road. Diverses initiatives/spectacles existent tout au long de l'année pour présenter le travail d'artistes locaux de Sheffield, du Yorkshire et du Derbyshire, des amateurs aux professionnels. Parmi ceux-ci figurent "Open Up Sheffield", "Art in the Gardens" (qui se tient dans les jardins botaniques de Sheffield en septembre) et le Great Sheffield Art Show, qui se tenait auparavant le premier week-end de juillet au Octagon Center de Sheffield, maintenant organisé plus tard en l'année à la Millennium Gallery Sheffield abrite également deux universités, dont l'Université Sheffield Hallam , possède un département des beaux-arts anciennement basé à Psalter Lane qui a déménagé au centre-ville de Sheffield en 2008.
Art en_Sierra_Leone/Art en Sierra Leone :
L'art en Sierra Leone a une longue et importante tradition de sculpture et d'œuvres cérémonielles comme des masques et des tissus pour l'initiation et la protection. Bien que les styles artistiques soient souvent attribués à un seul groupe ethnique (souvent les Mende), les styles et les procédés sont répartis dans tout le pays et de nombreux artistes se déplacent entre les différents groupes ethniques du pays. L'art est souvent pratiqué par des sociétés organisées, que ce soit le traditionnel Les sociétés Sande et Poro ou les sociétés odelay plus récentes de Freetown, et expriment une gamme de significations spirituelles et politiques. La sculpture sur bois, ivoire et pierre a été importante pendant de nombreux siècles et conserve son importance aujourd'hui. De plus, depuis les années 1930, Freetown a organisé un certain nombre de concours de lanternes où différents groupes construisent de grands chars décoratifs.
Art en_bronze_et_laiton/Art en bronze et laiton :
L'art en bronze et en laiton date de la haute antiquité. Ces métaux importants sont les alliages, le bronze composé de cuivre et d'étain et le laiton de cuivre et de zinc. Les proportions de chaque alliage varient légèrement. Le bronze peut être normalement considéré comme neuf parties de cuivre pour une partie d'étain. D'autres ingrédients que l'on retrouve occasionnellement sont plus ou moins accidentels. Le résultat est un métal d'une riche couleur brun doré, susceptible d'être travaillé par moulage - un procédé peu applicable à ses composants, mais particulièrement réussi avec le bronze, la densité et la dureté du métal lui permettant de prendre n'importe quelle empreinte d'un moule , pourtant délicat. Il est ainsi possible de créer des travaux ornementaux de toutes sortes.
Art in_early_modern_Scotland/Art au début de l'Écosse moderne :
L'art au début de l'Écosse moderne comprend toutes les formes de production artistique à l'intérieur des frontières modernes de l'Écosse, entre l'adoption de la Renaissance au début du XVIe siècle et les débuts des Lumières au milieu du XVIIIe siècle. L'art dévotionnel avant la Réforme comprenait des livres et des images commandés aux Pays-Bas. Avant la Réforme au milieu du XVIe siècle, les intérieurs des églises écossaises étaient souvent élaborés et colorés, avec des maisons de sacrement et des effigies monumentales. L'art ecclésiastique écossais a payé un lourd tribut à la suite de l'iconoclasme de la Réforme, avec la perte presque totale de vitraux médiévaux, de sculptures religieuses et de peintures. Vers 1500, la monarchie écossaise s'est tournée vers l'enregistrement de portraits royaux dans des portraits sur panneau. Plus impressionnantes sont les œuvres ou les artistes importés du continent, notamment des Pays-Bas. La tradition du portrait royal en Écosse a probablement été perturbée par les minorités et les régences qu'elle a subies pendant une grande partie du XVIe siècle, mais elle a prospéré après la Réforme. James VI a employé les artistes flamands Arnold Bronckorst et Adrian Vanson, qui ont laissé derrière eux un enregistrement visuel du roi et des personnalités majeures de la cour. Le premier artiste indigène important fut George Jamesone, qui fut remplacé par une série de portraitistes alors que la mode descendait l'échelle sociale vers les lairds et les bourgeois. La perte du mécénat ecclésiastique résultant de la Réforme a créé une crise pour les artisans et artistes autochtones, qui se sont tournés vers les mécènes laïques. L'un des résultats en fut l'épanouissement des plafonds et des murs peints de la Renaissance écossaise. D'autres formes de décoration domestique comprenaient des tapisseries et des sculptures sur pierre et sur bois. Dans la première moitié du XVIIIe siècle, il y a eu une professionnalisation et une organisation croissantes de l'art. Un grand nombre d'artistes ont fait la grande tournée en Italie. L'Académie de Saint-Luc a été fondée en tant que société d'artistes en 1729. Elle comprenait parmi ses membres Allan Ramsay, qui s'est imposé comme l'un des artistes britanniques les plus importants de l'époque.
Art in_modern_Scotland/L'art dans l'Ecosse moderne :
L'art dans l'Écosse moderne comprend tous les aspects des arts visuels du pays depuis le début du XXe siècle. Au début du XXe siècle, la scène artistique était dominée par le travail des membres de l'école de Glasgow connue sous le nom de Four, dirigée par Charles Rennie Mackintosh, qui a acquis une réputation internationale pour leur combinaison de renaissance celtique, d'art et d'artisanat et d'art nouveau. Ils ont été suivis par les coloristes écossais et l'école d'Edimbourg. Il y avait un intérêt croissant pour les formes de modernisme, William Johnstone aidant à développer le concept d'une Renaissance écossaise. Dans la période d'après-guerre, des artistes majeurs, dont John Bellany et Alexander Moffat, ont poursuivi un volet de « réalisme écossais ». L'influence de Moffat peut être vue dans le travail des "nouveaux Glasgow Boys" de la fin du XXe siècle. Au XXIe siècle, l'Écosse a continué à produire des artistes influents tels que Douglas Gordon et Susan Philipsz. L'Écosse possède d'importantes collections d'art, comme la National Gallery of Scotland et le National Museum of Scotland à Édimbourg et la Burrell Collection et la Kelvingrove Art Gallery and Museum à Glasgow. Les écoles d'art de premier plan comprennent l'Edinburgh College of Art et la Glasgow School of Art. Le principal organisme de financement responsable des arts dans le pays est Creative Scotland. Un soutien est également apporté par les conseils locaux et des fondations indépendantes.
L'art à l'ère de l'automatisation/L'art à l'ère de l'automatisation :
Art in the Age of Automation est le quatrième album studio du Portico Quartet. Il est sorti le 25 août 2017.
Art in_the_Camps_(Garden_Streams)/Art in the Camps (Garden Streams):
Art in the Camps était un projet de trois ans entre 1988 et 1991 qui proposait des ateliers créatifs aux réfugiés vietnamiens dans les camps de détention de Hong Kong. Organisé par Evelyna Liang Yee Woo de Garden Streams - Hong Kong Fellowship of Christian Artists et financé par les Nations Unies, Art in the Camps a proposé des ateliers de peinture, de dessin, de danse, de chant et d'écriture de poésie aux réfugiés vietnamiens, principalement ceux du Whitehead. Camp de détention à Sha Tin, Nouveaux Territoires. En 1991, le projet rassemblait entre 600 et 800 œuvres d'art et écrits de réfugiés vietnamiens dans sa collection. À la fin des années 2000, la collection a été envoyée à l'Institut international d'histoire sociale aux Pays-Bas pour une meilleure préservation, mais en raison d'un regain d'intérêt. par le Département des Beaux-Arts de l'Université chinoise de Hong Kong en 2017, son retour à Hong Kong est depuis en discussion. en 2008 et Nàng Tự Do – The archive of Art In the Camps (Garden Streams) à l'Université chinoise de Hong Kong en 2020.
Art in_the_Negro_Schools/Art dans les écoles nègres :
Art in the Negro Schools est un film documentaire muet en noir et blanc de 1940 produit par la Fondation Harmon dans le cadre de sa série « Negro Education for American Living ». Avec une durée de 19 minutes, le film a été réalisé et tourné par le célèbre directeur de la photographie documentaire Kenneth F. Space. Le film dépeint des étudiants afro-américains s'engageant à la fois dans les beaux-arts et les arts de la scène à l'ancienne Calhoun Colored School à Calhoun, Alabama et à des collèges et universités historiquement noirs, notamment l'Université Dillard de la Nouvelle-Orléans, Louisiane, l'Université Fisk de Nashville, Tennessee, l'Institut Hampton (aujourd'hui l'Université Hampton de Hampton, Virginie, et l'Université Howard de Washington, DC. plaident en faveur de l'exposition des étudiants à la performance et à l'amende arts en démontrant l'impact positif que ces arts ont sur la vie des étudiants.Le film est conservé à la Bibliothèque du Congrès, à la National Film Preservation Foundation et aux Archives nationales dans le cadre de la collection de la Fondation Harmon.
Art in_the_Protestant_Reformation_and_Counter-Reformation/Art in the Protestant Reform and Counter-Reformation :
La Réforme protestante du XVIe siècle en Europe a presque entièrement rejeté la tradition existante de l'art catholique et en a très souvent détruit autant qu'elle pouvait l'atteindre. Une nouvelle tradition artistique s'est développée, produisant des quantités d'art beaucoup plus petites qui suivaient les agendas protestants et divergeaient radicalement de la tradition sud-européenne et de l'art humaniste produit pendant la Haute Renaissance. Les églises luthériennes, au fur et à mesure de leur développement, ont accepté un rôle limité pour les grandes œuvres d'art dans les églises et ont également encouragé les estampes et les illustrations de livres. Les calvinistes sont restés fermement opposés à l'art dans les églises et méfiants à l'égard des petites images imprimées de sujets religieux, bien qu'ils acceptent généralement pleinement les images profanes dans leurs maisons. À son tour, la Contre-Réforme catholique a à la fois réagi et répondu aux critiques protestantes de l'art dans le catholicisme romain pour produire un style d'art catholique plus strict. L'art religieux protestant a à la fois embrassé les valeurs protestantes et contribué à la prolifération du protestantisme, mais la quantité d'art religieux produite dans les pays protestants a été considérablement réduite. Les artistes des pays protestants se sont diversifiés dans des formes d'art laïques comme la peinture d'histoire, la peinture de paysage, la peinture de portrait et la nature morte.
Art in_the_San_Francisco_Bay_Area/Art dans la région de la baie de San Francisco :
L'histoire de l'art dans la région de la baie de San Francisco comprend des contributions majeures à l'art contemporain, y compris l'expressionnisme abstrait. La région est connue pour ses artistes interdisciplinaires tels que Bruce Conner, Bruce Nauman et Peter Voulkos, ainsi que pour un grand nombre d'espaces d'art alternatifs à but non lucratif, notamment New Langton Arts, Intersection for the Arts et Southern Exposure. Les arts visuels de la baie de San Francisco ont subi de nombreuses permutations parallèles à l'innovation et à l'hybridité dans la littérature et le théâtre.
Art in_the_San_Francisco_Bay_Area_ (livre)/Art dans la région de la baie de San Francisco (livre) :
Art in the San Francisco Bay Area, 1945-1980: An Illustrated History est un livre documentaire de 1985 du critique d'art Thomas Albright, sur l'histoire moderne de l'art dans la région de la baie de San Francisco. Il a été publié par University of California Press.
Art in_the_Streets/Art dans les rues :
Art in the Streets était une exposition qui s'est tenue au Museum of Contemporary Art de Los Angeles du 17 avril au 8 août 2011. Organisée par son directeur d'alors Jeffrey Deitch et les conservateurs associés Aaron Rose et Roger Gastman, elle a étudié le développement du graffiti et du monde art de la rue des années 1970 à nos jours, couvrant les villes de New York, la côte ouest, Londres et Sao Paulo avec un accent sur Los Angeles. Il devait se rendre au Brooklyn Museum du 30 mars au 8 juillet 2012. L'exposition au Brooklyn Museum a été annulée en raison de difficultés financières. Selon certaines estimations, c'était l'exposition la plus fréquentée de l'histoire du MOCA LA. exposition comprenait: Barry McGee, Lee Quinones, Os Gêmeos, Banksy, Shepard Fairey, TAKI 183, Jean-Michel Basquiat, Chaz Bojórquez, ROA, JR, RISK, Rammellzee, Keith Haring, Kenny Scharf, Angel Ortiz, Gusmano Cesaretti et autres. Début décembre 2010, l'artiste de rue italien Blu a peint une peinture murale sur le côté de l'aile contemporaine Geffen du musée pour coïncider avec l'exposition. Parce que le thème anti-guerre de l'œuvre pouvait être jugé offensant, le musée l'a fait repeindre en une journée et des artistes anonymes se sont vengés en affichant des affiches de Deitch en ayatollah tenant un rouleau à peinture.
Art in_the_White_House/Art à la Maison Blanche :
La collection d'art de la Maison Blanche, parfois aussi appelée White House Collection ou Pride of the American Nation, s'est développée au fil du temps grâce aux dons des descendants des pères fondateurs aux commandes d'artistes établis. Il comprend des peintures, des sculptures et d'autres formes d'art. Parfois, la collection se développe à la demande spécifique d'un président, comme lorsque Ronald Reagan a commencé à collectionner le travail de l'artiste naval Tom Freeman en 1986, une tradition qui s'est poursuivie pendant les années Obama. La collection d'art de la Maison Blanche a été créée par une loi du Congrès en 1961 et s'est considérablement développée sous l'administration Kennedy. Il comprend maintenant plus de 65 000 objets si les éléments individuels sont catalogués. En 2021, plus de 500 pièces sont exposées sous la garde du conservateur de la Maison Blanche et de la White House Historical Association, et celles-ci sont souvent complétées par celles prêtées par les musées.
Art in_the_women%27s_suffrage_movement_in_the_United_States/L'art dans le mouvement pour le droit de vote des femmes aux États-Unis :
L'art dans le mouvement pour le droit de vote des femmes aux États-Unis a joué un rôle essentiel. Ce mouvement était social, la propagande était donc essentielle à son succès. Le mouvement pour le suffrage des femmes a commencé en Amérique dans les années 1840 dans le but d'obtenir le plein droit de vote pour les femmes. Les suffragettes aux États-Unis ont réussi dans leurs efforts pour obtenir le droit de vote le 26 août 1920, lorsque le dix-neuvième amendement a été ratifié par les législatures des États. Cet amendement stipulait que le droit de vote ne pouvait être restreint ou refusé en raison du sexe du citoyen. Il y avait des hommes et des femmes des deux côtés du mouvement pour le suffrage des femmes, et l'opposition d'autres femmes était un problème auquel les suffragettes ont été confrontées tout au long de leur campagne.
Intervention artistique/Intervention artistique :
L'intervention artistique est une interaction avec une œuvre d'art, un public, un lieu/espace ou une situation déjà existants. Il a les auspices de l'art conceptuel et est généralement une forme d'art de la performance. Il est associé aux actionnistes viennois, au mouvement dada et aux néo-dadaïstes. Les Stuckists en ont largement fait usage pour modifier la perception des œuvres d'art auxquelles ils s'opposent et pour protester contre les interventions existantes. L'intervention peut également faire référence à l'art qui entre dans une situation en dehors du monde de l'art pour tenter d'y changer les conditions existantes. Par exemple, l'art d'intervention peut tenter de changer des situations économiques ou politiques, ou peut tenter de sensibiliser les gens à une condition dont ils n'avaient auparavant aucune connaissance. Étant donné que ces objectifs signifient que l'art d'intervention s'adresse et s'engage nécessairement avec le public, certains artistes appellent leur travail « interventions publiques ». Bien que l'intervention, de par sa nature, comporte une implication de subversion, elle est maintenant acceptée comme une forme d'art légitime et est souvent exécutée avec l'approbation de ceux en position d'autorité sur l'œuvre d'art, le public ou le lieu/l'espace dans lequel intervenir. , les interventions non approuvées (c'est-à-dire illicites) sont courantes et suscitent un débat sur la distinction entre art et vandalisme. Il s'agit par définition d'un défi, ou à tout le moins d'un commentaire, lié à l'œuvre antérieure ou au thème de cette œuvre, ou aux attentes d'un public particulier, et plus susceptible de remplir pleinement cette fonction lorsqu'il est unilatéral, bien que dans ces cas, il soit presque certain qu'il sera considéré par les autorités comme importun, sinon comme du vandalisme, et non comme de l'art.
Art into_Pop/Art into Pop :
Art into Pop est un livre de Simon Frith et Howard Horne, publié en 1987. Il analyse l'intégration des sensibilités des écoles d'art dans la musique populaire depuis les années 1950. Selon les auteurs, l'inspiration pour le livre est venue lorsqu'ils ont observé qu'un "nombre important de musiciens pop britanniques des années 1960 à nos jours ont été éduqués et ont commencé à se produire dans des écoles d'art". Selon l'universitaire Barry Faulk, c'était "la première étude à suggérer que le punk rock était inspiré des écoles d'art, mais sans aborder la disparité entre la réalité sociologique et la rhétorique des groupes punk rock".
Bijoux d'art/Bijoux d'art :
Les bijoux d'art sont l'un des noms donnés aux bijoux créés par des artisans d'atelier. Comme son nom l'indique, les bijoux d'art mettent l'accent sur l'expression créative et le design, et se caractérisent par l'utilisation d'une variété de matériaux, souvent banals ou de faible valeur économique. En ce sens, il constitue un contrepoids à l'utilisation de "matériaux précieux" (tels que l'or, l'argent et les pierres précieuses) dans la joaillerie conventionnelle ou fine, où la valeur de l'objet est liée à la valeur des matériaux à partir desquels il est fabriqué. . Les bijoux d'art sont liés à l'artisanat d'atelier dans d'autres médias tels que le verre, le bois, les plastiques et l'argile; il partage les croyances et les valeurs, l'éducation et la formation, les circonstances de production et les réseaux de distribution et de publicité avec le domaine plus large de l'artisanat d'atelier. Les bijoux d'art ont également des liens avec les beaux-arts et le design. Alors que l'histoire des bijoux d'art commence généralement par les bijoux modernistes aux États-Unis dans les années 1940, suivis des expériences artistiques des orfèvres allemands dans les années 1950, un certain nombre de valeurs et de croyances qui animent les bijoux d'art se retrouvent dans les arts et l'artisanat. mouvement de la fin du XIXe siècle. De nombreuses régions, telles que l'Amérique du Nord, l'Europe, l'Australasie et certaines parties de l'Asie ont des scènes de bijoux d'art florissantes, tandis que d'autres endroits tels que l'Amérique du Sud et l'Afrique ont développé l'infrastructure des établissements d'enseignement, des galeries de marchands, des écrivains, des collectionneurs et des musées qui soutiennent l'art. bijoux.
Art jove/Art jove :
Art jove était un magazine catalan publié pour la première fois le 15 décembre 1905. Le magazine était dirigé par Sebastià Xanxó et était publié tous les quinze jours. Il a été imprimé dans l'imprimerie "La Catalana" qui se trouvait dans la rue Balmes à Barcelone. Concernant son format, il avait une mesure de 221x140mm et il coûtait 15 centimes de peseta. Il disparut le 31 octobre 1906 avec un total de 22 numéros.
Ligne artistique/Ligne artistique :
La ligne d'art peut faire référence à : une ligne artérielle, un cathéter placé dans une artère pour mesurer la pression artérielle une ligne de transmission artificielle, un réseau électrique à quatre bornes
Art mac_Cuinn/Art mac Cuinn :
Art mac Cuinn ("fils de Conn"), également connu sous le nom d'Art Óenfer (littéralement "un homme", utilisé dans le sens de "seul", "solitaire" ou "fils unique"), était, selon la légende médiévale irlandaise et tradition historique, un Haut Roi d'Irlande.
Art mac_Flaitnia/Art mac Flaitnia :
Art mac Flaitnia , ou Art mac Flaithnia , roi d'Uí Fiachrach Aidhne (décédé en 772). La succession à la royauté est incertaine à la mort de Fergal Aidne mac Artgaile en 696, reflet de la réduction drastique du statut d'Aidhne. L'art n'est que l'un des deux souverains des royaumes connus depuis le VIIIe siècle. Art est enregistré comme ayant été tué en 772 avec son voisin Aedh Ailghin, roi d'Ui Maine. Les Annales des Quatre Maîtres affirment qu'ils ont été tués. Au milieu des décennies du siècle, le Déisi Tuisceart (plus tard connu sous le nom de Dál gCais) a annexé ce qu'on appelle maintenant le comté de Clare à Munster, l'appelant Thomond. Il est resté une partie de Munster jusqu'à nos jours.
Art mac_Lugdach/Art mac Lugdach :
Art, fils de Lugaid Lámderg, était, selon la légende irlandaise médiévale et la tradition historique, un haut roi d'Irlande. Il a pris le pouvoir après avoir tué son prédécesseur et l'assassin de son père, Conaing Bececlach. Il a régné pendant six ans, jusqu'à ce qu'il soit tué par Fíachu Tolgrach et son fils Dui Ladrach. Selon le Lebor Gabála Érenn, il a été remplacé par son fils Ailill Finn ; Keating et les Quatre Maîtres conviennent qu'il a été remplacé par son assassin, Fíachu Tolgrach, qui a ensuite été tué par Ailill Finn. Le Lebor Gabála synchronise son règne avec celui de Darius II de Perse (423-404). La chronologie des Foras Feasa ar Éirinn de Keating date son règne de 599–593 av. J.-C., celle des Annales des Quatre Maîtres de 812–806 av.
Manifeste d'art/Manifeste d'art :
Un manifeste artistique est une déclaration publique des intentions, des motivations ou des opinions d'un artiste ou d'un mouvement artistique. Les manifestes sont une caractéristique standard des différents mouvements de l'avant-garde moderniste et sont encore écrits aujourd'hui. Les manifestes d'art ont parfois dans leur rhétorique une valeur de choc, pour obtenir un effet révolutionnaire. Ils abordent souvent des questions plus larges, telles que le système politique. Les thèmes typiques sont le besoin de révolution, la liberté (d'expression) et la supériorité implicite ou ouvertement affirmée des écrivains sur le statu quo. Le manifeste donne un moyen d'exprimer, de faire connaître et d'enregistrer des idées pour l'artiste ou le groupe artistique - même si seules une ou deux personnes écrivent les mots, cela est généralement encore attribué au nom du groupe. En 1855, Gustave Courbet rédige un manifeste réaliste pour l'introduction au catalogue de son exposition personnelle et indépendante. Et en 1886, le Manifeste symboliste est publié dans le journal français Le Figaro par le poète et essayiste Jean Moréas. Le premier manifeste d'art du XXe siècle a été introduit avec les futuristes en Italie en 1909, suivis par les cubistes, les vorticistes, les dadaïstes et les surréalistes : la période jusqu'à la Seconde Guerre mondiale a créé ce qui reste les manifestes les plus connus. Bien qu'elles n'aient jamais cessé d'être émises, d'autres médias, comme l'essor de la radiodiffusion, ont eu tendance à écarter ces déclarations. En raison d'Internet, il y a eu une résurgence de la forme, et de nombreux nouveaux manifestes apparaissent maintenant à un public mondial potentiel. Les Stuckists en ont fait un usage particulier pour lancer un mouvement mondial de groupes affiliés. Les manifestes se composent généralement d'un certain nombre d'énoncés, qui sont numérotés ou sous forme de puces et qui ne se suivent pas nécessairement logiquement de l'un à l'autre. L'explication de Tristan Tzara du manifeste (Feeble Love & Bitter Love, II) saisit l'esprit de beaucoup : Un manifeste est une communication faite au monde entier, dont la seule prétention est de découvrir un remède instantané à des problèmes politiques, astronomiques, artistiques, syphilis parlementaire, agronomique et littéraire. C'est peut-être plaisant, bon enfant, c'est toujours juste, c'est fort, vigoureux et logique. À propos de logique, je me considère très sympathique.
Marbre d'art/marbre d'art :
Les marbres d'art sont des marbres de collection de haute qualité issus du mouvement du verre d'art. Ils sont parfois appelés marbres de verre contemporains pour les différencier des marbres antiques de collection, et sont des œuvres d'art sphériques en verre. L'intérêt des artistes verriers pour les marbres à la fin du XXe siècle a entraîné une résurgence des marbres faits à la main.
Marché de l'art/Marché de l'art :
Le marché de l'art est le marché des acheteurs et des vendeurs qui négocient des marchandises, des services et des œuvres d'art. Le marché de l'art fonctionne dans un modèle économique qui ne se limite pas à l'offre et à la demande : il s'agit d'un type hybride de marché prédictif où l'art est acheté et vendu pour des valeurs basées non seulement sur la valeur culturelle perçue d'une œuvre, mais aussi sur sa valeur monétaire passée comme ainsi que sa valeur future prévue. Le marché a été décrit comme un marché où les producteurs ne font pas de travail principalement pour la vente, où les acheteurs n'ont souvent aucune idée de la valeur de ce qu'ils achètent et où les intermédiaires demandent régulièrement le remboursement des ventes de choses qu'ils n'ont jamais vues aux acheteurs qu'ils ont jamais traité. De plus, le marché n'est pas transparent ; les données sur les ventes privées ne sont pas systématiquement disponibles et les ventes privées représentent environ la moitié des transactions du marché.
Médaillon d'art/Médaillon d'art :
Les médaillons d'art sont une forme d'art ancienne qui aurait été introduite pour la première fois par les Romains principalement pour afficher des effigies de portraits de personnalités telles que des rois, des reines, etc. La plupart des médaillons d'art ont été coulés à la main en bronze ou en alliages métalliques similaires. Ces médaillons d'art ne devaient pas être portés mais plutôt décoratifs et se sont lentement retrouvés dans la monnaie monétaire en utilisant une méthode de coulée frappée. La forme d'art s'est poursuivie jusqu'au 21e siècle.
Art metal_(homonymie)/Art metal (homonymie) :
L'art metal peut faire référence à : Avant-garde metal, musique heavy metal qui met l'accent sur l'expérimentation et les techniques non conventionnelles Metal néoclassique, heavy metal fortement influencé par la musique classique Post-metal, musique enracinée dans le heavy metal mais abandonnant nombre de ses conventions Metal progressif, une fusion de heavy metal avec du rock progressif Art Metal (groupe), un groupe suédois dirigé par Jonas Hellborg Art Metal (album), le premier album du groupe Art rock, un sous-genre de la musique rock Art metal, un genre fusion de heavy metal et d'art rocher. Étroitement lié au post métal et au métal progressif.
Méthodologie artistique/Méthodologie artistique :
La méthodologie de l'art fait référence à une méthode étudiée et constamment réévaluée, remise en question au sein des arts, par opposition à une méthode simplement appliquée (sans réflexion). Ce processus d'étude de la méthode et de réévaluation de son efficacité permet à l'art d'évoluer et de changer. Ce n'est pas la chose elle-même mais c'est une partie essentielle du processus. Un artiste qui dessine, par exemple, peut choisir de dessiner à partir de ce qu'il observe devant lui, ou de ce qu'il imagine ou de ce qu'il sait déjà sur le sujet. Ces 3 méthodes produiront très probablement 3 images très différentes. Une méthodologie minutieuse comprendrait l'examen des matériaux et des outils utilisés et comment un type différent de toile/pinceau/papier/crayon/chiffon/appareil photo/ciseau, etc. produirait un effet différent. L'artiste peut également regarder divers effets obtenus en commençant d'abord par une partie d'une toile, ou en travaillant sur toute la surface de manière égale. Un auteur peut expérimenter l'écriture de flux de conscience, par opposition à la narration naturaliste, ou une combinaison de styles.
Mouvement artistique/Mouvement artistique :
Un mouvement artistique est une tendance ou un style artistique avec une philosophie ou un objectif commun spécifique, suivi par un groupe d'artistes pendant une période de temps spécifique (généralement quelques mois, années ou décennies) ou, du moins, à l'apogée de le mouvement défini dans un certain nombre d'années. Les mouvements artistiques étaient particulièrement importants dans l'art moderne, lorsque chaque mouvement consécutif était considéré comme un nouveau mouvement d'avant-garde.
Musée d'art/Musée d'art :
Un musée d'art ou une galerie d'art est un bâtiment ou un espace d'exposition d'art, généralement de la propre collection du musée. Il peut être de propriété publique ou privée et peut être accessible à tous ou faire l'objet de restrictions. Bien que principalement concernés par les arts visuels, les musées d'art sont souvent utilisés comme lieu pour d'autres échanges culturels et activités artistiques, telles que des conférences, des performances artistiques, des concerts de musique ou des lectures de poésie. Les musées d'art accueillent également fréquemment des expositions temporaires thématiques, qui incluent souvent des objets prêtés par d'autres collections.
Musique savante/Musique savante :
La musique savante (également appelée musique classique, musique cultivée, musique sérieuse et musique canonique) est une musique considérée comme ayant une haute valeur esthétique. Cela implique généralement des considérations structurelles et théoriques avancées ou une tradition musicale écrite. Dans ce contexte, les termes «sérieux» ou «cultivé» sont fréquemment utilisés pour présenter un contraste avec la musique ordinaire et quotidienne (c'est-à-dire la musique populaire et folklorique, également appelée «musique vernaculaire»). De nombreuses cultures ont des traditions de musique d'art; dans le monde occidental, le terme fait généralement référence à la musique classique occidentale.
Art n%27_Soul/Art n' Soul :
Art n' Soul est un groupe américain de R&B contemporain actif au milieu des années 1990. Le groupe était composé de Sam Bostic (chant, basse et claviers), Rodney Lattrel Evans (claviers) et Dion Riley (batterie). Avant de former Art n' Soul, Bostic a tenté une carrière solo sous Atlantic Records avec son premier album de 1985. Circuiterie. Après l'arrêt de l'album, il s'est tourné vers la production pour d'autres artistes tels que E-40, The Conscious Daughters, 2Pac et Master P. Il est ensuite revenu à la scène en tant que fondateur et leader d'Art n 'Soul avec ses collègues Rodney Lattrel Evans et Dion. Riley. Toni ! Toni ! Ton! le batteur Timothy Christian Riley a aidé le trio à obtenir un contrat d'enregistrement avec la filiale d'Atlantic Records Big Beat Records pour sortir leur premier album Touch of Soul en 1996. Leur premier album a produit deux singles : "Ever Since You Went Away" et "All My Luv". Sam Bostic a sorti son deuxième album solo Soul Supreme sur Soul Jones / Expansion Records au Royaume-Uni en novembre 2008. L'album est ensuite sorti aux États-Unis sur la boutique de Bostic House Of Soul Recordings en 2011 et comportait le single "Zodiac Sign" qui était co- écrit par Raphaël Saadiq. Bostic est également le neveu du saxophoniste de jazz Earl Bostic.
Nom de l'art/Nom de l'art :
Un nom d'art (pseudonyme ou nom de plume), également connu sous ses noms natifs hào (en mandarin) (chinois : 號), gō (en japonais), ho (en coréen) et hiệu (en vietnamien), est un nom professionnel utilisé par les artistes, poètes et écrivains d'Asie de l'Est. Le mot et le concept sont originaires de Chine, où ils étaient utilisés comme surnoms des personnes instruites, puis sont devenus populaires dans d'autres pays d'Asie de l'Est (en particulier en Chine, au Japon, en Corée, au Vietnam et dans l'ancien royaume de Ryukyu). Dans certains cas, les artistes ont adopté différents pseudonymes à différentes étapes de leur carrière, généralement pour marquer des changements importants dans leur vie. Les pratiquants extrêmes de cette tendance étaient Tang Yin de la dynastie Ming, qui possédait plus de dix hao, et Hokusai du Japon, qui, dans la seule période de 1798 à 1806, n'en utilisa pas moins de six.
Couture d'art/Couture d'art :
La couture d'art était un type de broderie de surface populaire à la fin du XIXe siècle sous l'influence des préraphaélites et du mouvement Arts and Crafts. L'artiste et designer William Morris est crédité de la résurrection des techniques de broderie de surface à main levée basées sur les styles de broderie anglais du Moyen Âge au XVIIIe siècle, développant le style rétro que l'on appellerait la couture d'art. La couture d'art mettait l'accent sur l'ombrage délicat du point satin avec du fil de soie accompagné d'un certain nombre de points de fantaisie, en contraste frappant avec la technique du fil compté de l'engouement pour le travail de la laine aux couleurs vives de Berlin au milieu du XIXe siècle. Dans la broderie comme dans d'autres métiers, Morris était soucieux d'encourager l'expression de soi via l'artisanat. Sa boutique Morris & Co. vendait à la fois des broderies personnalisées finies et des kits dans le nouveau style, ainsi que des soies teintes végétales dans lesquelles les travailler. La couture d'art était considérée comme un style approprié pour décorer une robe artistique. La Royal School of Art Needlework (aujourd'hui Royal School of Needlework) a été fondée en tant qu'association caritative en 1872 sous le patronage de la princesse Helena pour offrir des apprentissages dans le style nouveau / ancien. La fille de Morris, May, couturière accomplie et créatrice à part entière, a été active à l'école dès sa création. La Leek Embroidery Society et la Leek School of Art Embroidery, toutes deux fondées par la brodeuse Elizabeth Wardle, ont été créées respectivement en 1879 et vers 1881. La couture d'art a été introduite en Amérique lors de l'exposition du centenaire de 1876 à Philadelphie.
Art of_Anarchy/Art de l'anarchie :
Art of Anarchy est un supergroupe de hard rock américain formé en 2011. Le groupe comprend les frères jumeaux Jon et Vince Votta à la guitare et à la batterie, le bassiste Disturbed John Moyer, l'ancien guitariste de Guns N' Roses Ron "Bumblefoot" Thal en tant que co-guitariste et producteur, et, à partir de 2016, le chanteur de Creed Scott Stapp. Le premier album du groupe met en vedette Scott Weiland, ancien chanteur de Stone Temple Pilots et Velvet Revolver, au chant.
Art of_Anarchy_(album)/Art of_Anarchy (album) :
Art of Anarchy est le premier album studio du groupe de rock américain Art of Anarchy , sorti le 2 juin 2015. C'est le seul album du groupe à présenter le chanteur Scott Weiland , qui s'est distancé du projet peu après sa sortie. C'était aussi le dernier album de Weiland avant sa mort le 3 décembre 2015.
Art_de_l'équilibre/Art de l'équilibre :
Art of Balance (stylisé comme art de l'équilibre) est un jeu vidéo de puzzle basé sur la physique développé et publié par Shin'en Multimedia. Le jeu est initialement sorti sur WiiWare en 2010, puis amélioré en haute définition et porté sur l'eShop de la Wii U en 2013, sur la PlayStation 4 en 2016 et sur la Nintendo Switch en 2018. Une version avec commandes tactiles a également été portée sur l'eShop de la Nintendo 3DS en 2012, intitulé Art of Balance TOUCH!
Art of_Belgium/Art of Belgium :
Malgré sa taille, la Belgique a une longue et distinguée tradition artistique qui remonte au Moyen Âge, bien avant la fondation de l'État actuel en 1830. L'art des régions qui composent la Belgique moderne est appelé en anglais Netherlandish jusqu'à la séparation avec les Pays-Bas à partir de 1570 et les Flamands jusqu'au XVIIIe siècle. D'importants monastères en Belgique étaient des centres de production d'art carolingien et d'art ottonien, et plus tard la zone de production d'art roman mosan est maintenant en grande partie en Belgique. La Flandre est devenue l'une des régions les plus riches d'Europe à la fin du Moyen Âge et la peinture des premiers Pays-Bas a produit du travail à la fois pour les riches citadins et pour les courtisans du duc de Bourgogne. À la Renaissance, le maniérisme anversois était une première tentative des artistes flamands de répondre à l'art de la Renaissance italienne, le romanisme étant une phase ultérieure. La peinture hollandaise et flamande de la Renaissance a culminé avec l'œuvre de Pieter Bruegel l'Ancien dans un sens, et la contribution flamande au maniérisme du Nord dans un sens très différent. La peinture baroque flamande est dominée par la figure de Rubens, même si, comme son élève Anthony van Dyck, il a passé une grande partie de sa carrière à l'étranger. Il y avait aussi un grand développement de genres spécialisés dans la peinture, parallèles à ceux de la peinture hollandaise de l'âge d'or au nord, mais avec de nombreuses différences.
Art de_Birmingham/Art de Birmingham :
Birmingham a une culture d'art et de design distincte qui a émergé dans les années 1750, motivée par l'importance historique des arts appliqués pour l'économie manufacturière de la ville. Alors que d'autres premières villes industrielles telles que Manchester et Bradford étaient basées sur la fabrication de produits en vrac tels que le coton et la laine, l'économie de Birmingham à partir du XVIIIe siècle reposait sur la production de produits manufacturés finis pour les marchés européens du luxe. La vente de ces produits dépendait d'un design de haute qualité, ce qui a entraîné la croissance précoce d'une vaste infrastructure pour l'éducation des artistes et des designers et pour exposer leurs œuvres, et a placé Birmingham au cœur du débat sur le rôle de la arts visuels dans la société industrielle naissante. L'histoire de la ville dans le domaine des beaux-arts trahit également cette influence, bon nombre des personnalités artistiques les plus notables de Birmingham étant issues d'un milieu commercial ou artisanal. David Cox a d'abord suivi une formation de peintre de décors de théâtre ; Walter Langley et David Bomberg étaient tous deux lithographes ; les artistes du groupe de Birmingham pratiquaient le travail du métal, l'illustration de livres et la fabrication de vitraux ainsi que la peinture ; tandis que les antécédents en publicité et en graphisme commercial ont été des influences clés sur le surréalisme de Conroy Maddox et le pop art de Peter Phillips. L'influence artistique de Birmingham s'est étendue bien au-delà de ses frontières : David Cox était une figure majeure de l'âge d'or de l'aquarelle anglaise et un des premiers précurseurs de l'impressionnisme ; Edward Burne-Jones était la figure dominante de l'art anglais de la fin de l'époque victorienne et une influence sur le symbolisme, le mouvement esthétique et l'Art nouveau ; David Bomberg a été l'un des pionniers du modernisme anglais ; et Peter Phillips a été l'une des figures clés de la naissance du pop art. Le sculpteur Raymond Mason et les designers John Baskerville, Augustus Pugin, Harry Weedon et Alec Issigonis sont tous des figures majeures de l'histoire de leurs domaines, tandis que plus largement la ville a été un centre notable des mouvements Arts and Crafts, Pictorialiste et Surréaliste, et dans les domaines de la métallurgie, de la typographie, de la sculpture, de la gravure, de la photographie et du vitrail.
Art of_Bleeding/Art de saigner :
Art of Bleeding était une troupe de performance multimédia basée à Los Angeles proposant des programmes sombres et comiques de fausse éducation sur les premiers secours et la sécurité dans des clubs, des galeries et des événements artistiques. Mettant en scène des spectacles à partir d'une véritable ambulance, The Art of Bleeding crée ce que leur communiqué de presse appelle une "funhouse paramédicale" dans laquelle des marionnettes et des personnages costumés interagissent avec une équipe d'infirmières portant des vêtements fétichistes à thème médical. Les événements sont animés par des personnages costumés qui rappellent la programmation pour enfants, notamment la "mascotte bien-aimée" de la société, Abram le singe de la sécurité et RT, le professeur robot. Dans leurs performances et leurs vidéos Web, le groupe promeut une doctrine métaphysique mal définie et intentionnellement cryptique qu'ils appellent "True Safety Consciousness". L'ambulance du groupe fonctionne également comme un studio d'enregistrement mobile pour leur projet Gory Details, dans lequel des récits réels de traumatismes médicaux sont recueillis auprès des passants pour être partagés dans une bibliothèque en ligne de films et de mp3. Certaines de ces histoires sont également reconstituées dans le cadre de ce qui semblerait être une émission pour enfants tragiquement erronée, la websérie "Gory Details". En plus des émissions en direct, des vidéos, des enregistrements et de la musique à thème paramédical, The Art of Bleeding a également chorégraphié des performances publiques de danseurs bandés et munis de béquilles, créé des installations de visite anatomiques macabres et mis en scène une exposition sur le parking de voitures fumantes et fraîchement détruites peuplées d'acteurs ensanglantés partageant leurs récits édifiants. La troupe a été fondée par Al Ridenour, ancien dirigeant de la branche de Los Angeles de la Cacophony Society. Interrogé sur la nature de son groupe, Ridenour a déclaré: "Pensez à Art of Bleeding comme une sorte de cours multimédia de sensibilisation du public sur le lavage de cerveau en médecine d'urgence, et vous le maîtriserez bien. Au moins mieux que moi ... ". Margaret Cho, alors épouse de Ridenour, a été présentée dans une représentation le 29 mars 2006.
Art du_Burkina_Faso/Art du Burkina Faso :
Le Burkina Faso est un petit pays enclavé au nord du Ghana et au sud du Mali et du Niger. Sur le plan économique, c'est l'un des quatre ou cinq pays les plus pauvres du monde. Culturellement, c'est extrêmement riche. C'est en partie parce que si peu de Burkinabés sont devenus musulmans ou chrétiens. Beaucoup des anciennes traditions artistiques pour lesquelles l'Afrique est si connue ont été préservées au Burkina Faso parce que tant de gens continuent d'honorer les esprits ancestraux et les esprits de la nature. En grande partie, ils honorent les esprits à travers l'utilisation de masques et de figures sculptées. De nombreux pays au nord du Burkina Faso sont devenus majoritairement musulmans, tandis que de nombreux pays au sud du Burkina Faso sont fortement chrétiens. En revanche, de nombreux Burkinabè continuent d'offrir des prières et des sacrifices aux esprits de la nature et aux esprits de leurs ancêtres. Le résultat est qu'ils continuent à utiliser les types d'art que nous voyons dans les musées en Europe et en Amérique. L'un des principaux obstacles à la compréhension de l'art du Burkina Faso, y compris celui des Bwa, a été une confusion entre les styles des Bwa, "gurunsi" et Mossi, et une confusion du peuple Bwa avec ses voisins à l'ouest le peuple Bobo. Cette confusion était le résultat de l'utilisation par les officiers coloniaux français d'interprètes Jula au tournant du siècle. Ces interprètes considéraient les deux peuples comme identiques et appelaient ainsi les Bobo "Bobo-Fing" et les Bwa "Bobo-Oule". En fait, ces deux peuples n'ont aucun lien de parenté. Leurs langues sont tout à fait différentes, leurs systèmes sociaux sont tout à fait différents, et certainement leur art est tout à fait différent. En termes de styles artistiques, la confusion vient du fait que les Bwa, les « gurunsi' » et les Mossi fabriquent des masques recouverts de motifs graphiques géométriques rouges, blancs et noirs. C'est simplement le style des peuples voltaïques ou gur, et comprend également les Dogon et d'autres peuples qui parlent des langues voltaïques.
Art of_Cesar_Department/Art of_Cesar Department :
Art of Cesar Department fait référence aux expressions de l'art dans le département colombien de Cesar dans la région caribéenne de la Colombie. La diversité des activités humaines et des artefacts, de la peinture, de la sculpture, de la gravure, des expressions musicales et de la danse, de la littérature et d'autres formes d'arts visuels et auditifs. L'art du département de Cesar est parrainé par le ministère colombien de la culture et le secrétaire du département local de l'éducation, de la culture et des sports.
Art of_Champa/Art du Champa :
Champa était une civilisation indianisée au sein de la Grande Inde qui a prospéré le long des côtes de ce qui est aujourd'hui le centre et le sud du Vietnam pendant environ mille ans entre 500 et 1500 après JC. Les Chams d'origine étaient probablement des colons des îles indonésiennes, qui ont adopté comme principales vocations celles du commerce, de la navigation et de la piraterie. Leurs villes étaient des ports d'escale sur d'importantes routes commerciales reliant l'Inde, la Chine et les îles indonésiennes. L'histoire de Champa en fut une de conflits intermittents et de coopération avec le peuple de Java, les Khmers d'Angkor au Cambodge et le Đại Việt (Annam) des Vietnamiens dans ce qui est aujourd'hui le nord du Vietnam. C'est au Dai Viet que Champa a finalement perdu son indépendance. L'architecture des temples indiens taillés dans la roche, en particulier les sculptures, a été largement adoptée dans le sud de l'Inde et l'architecture indianisée des temples cambodgiens, annamites (Champan, sampan) et javanais. L'héritage artistique de Champa se compose principalement de sculptures en grès - à la fois la sculpture en ronde-bosse et la sculpture en relief - et des bâtiments en brique. Certaines statues métalliques et objets décoratifs ont également survécu. Une grande partie de l'art restant exprime des thèmes religieux, et bien que certaines pièces auraient été purement décoratives, d'autres auraient rempli des fonctions importantes dans la vie religieuse des Chams, qui synthétisaient des éléments de l'hindouisme (en particulier du saivisme), du bouddhisme et des cultes indigènes. Cet héritage artistique a été décimé par la négligence, la guerre et le vandalisme. Une grande partie des dégâts ont été causés au XXe siècle. Certains érudits français comme Henri Parmentier et Jean Boisselier ont pu prendre des photographies, créer des dessins et décrire à la plume des œuvres qui ont été détruites entre-temps. La négligence continue de mettre en danger l'héritage de Champan à ce jour, en particulier la négligence des stèles de pierre inscrites, source de nombreuses informations précieuses sur l'histoire de Champan. Les participants à la guerre du Vietnam ont apporté leur lot de ravages, anéantissant par exemple les vestiges du monastère bouddhiste de Dong Duong (Quảng Nam). Le vandalisme volontaire et le pillage sont une préoccupation constante. La plus grande collection d'art cham est exposée au Musée de la sculpture cham à Da Nang. D'importantes collections sont conservées au musée Guimet à Paris, au musée d'histoire vietnamienne à Saigon et au musée d'histoire à Hanoï. Des collections plus petites peuvent être trouvées au Musée des Beaux-Arts de Saigon et au Musée des Beaux-Arts de Hanoï.
Art_du_Chaos/Art du Chaos :
Art of Chaos est un groupe de rock alternatif originaire de Los Angeles, en Californie. Art of Chaos a fait de nombreuses tournées à travers la Californie, en tête d'affiche des spectacles le long de la côte. Le groupe a participé à l'étape sud-ouest de la tournée Projekt Revolution de Linkin Park après avoir remporté le concours "LA Battle Projekt" de MTV2. Le groupe a également été élu "Modern Rock Band of Year" et "Performer of the Year" aux Los Angeles Music Awards 2007.
Art of_Conflict :_The_Murals_of_Northern_Ireland/Art of Conflict : The Murals of Northern Ireland :
Art of Conflict: The Murals of Northern Ireland est un film documentaire de 2012 sur les peintures murales en Irlande du Nord. Réalisé par Valeri Vaughn, il est sorti sur Netflix le 12 octobre 2012.
Art of_Disney_Animation/Art de l'animation Disney :
Art of Disney Animation (également connu sous le nom de Disney Animation, Animation Building ou Art of Animation) est une attraction du Disney California Adventure à Disneyland Resort et de Hong Kong Disneyland à Hong Kong Disneyland Resort. Dans le parc Walt Disney Studios (sous le nom Art of Disney Animation, puis renommé Animation Celebration), l'attraction a ouvert le 16 mars 2002 dans la zone Toon Studio (anciennement connue sous le nom d'Animation Courtyard), mais a été fermée le 7 janvier 2019. Il a été rouvert le 17 novembre 2019.
L'art_du_doute/l'art du doute :
Art of Doubt est le septième album studio du groupe de rock indépendant canadien Metric , sorti le 21 septembre 2018. Le premier single, " Dark Saturday ", est sorti le 13 juillet 2018, suivi de " Dressed to Suppress " le 26 juillet, et "Now or Never Now" le 4 septembre. Le 13 septembre, NPR a publié une diffusion en direct de l'album.
L'art de_mourir/L'art de mourir :
Art of Dying peut faire référence à : Ars moriendi ("The Art of Dying"), texte latin du XVe siècle Art of Dying (groupe), groupe de rock canadien Art of Dying, un album de 2006 d'Art of Dying The Art of Dying, un album du rappeur et ancien membre de Psycho+Logical-Records Goretex "Art of Dying" (chanson), une chanson de 1970 de George Harrison The Art of Dying (album), un album de 2004 de Death Angel The Art of Dying, un album de 2012 de Ca$his The Art of Dying (film), film espagnol de 2000 "The Art of Dying", une chanson de Gojira de l'album The Way of All Flesh
Art of_Dying_(groupe)/Art of Dying (groupe):
Art of Dying est un groupe de rock canadien de Vancouver, formé en 2004 par le chanteur Jonny Hetherington et le guitariste Greg Bradley. Peu de temps après, le duo a ajouté Chris Witoski à la guitare rythmique, le bassiste Matt Rhode et le batteur Flavio Cirillo.
Art of_Dying_(chanson)/Art of Dying (chanson):
" Art of Dying " (parfois intitulé " The Art of Dying ") est une chanson du musicien de rock anglais George Harrison tirée de son triple album de 1970 All Things Must Pass . Harrison a commencé à écrire la chanson en 1966 alors qu'il était encore membre des Beatles et à une époque où il était devenu amoureux de la spiritualité hindoue et d'autres aspects de la culture indienne. Le sujet est la réincarnation et la nécessité d'éviter la renaissance, en limitant les actions et les pensées qui conduisent l'âme à revenir sous une autre forme de vie terrestre. Harrison a enregistré "Art of Dying" à Londres peu de temps après la rupture des Beatles en avril 1970. La chanson a été coproduite par Phil Spector et présente un arrangement de hard rock. Les musiciens d'accompagnement comprennent Eric Clapton et le reste du groupe éphémère de ce dernier, Derek and the Dominos, ainsi que Gary Wright, Billy Preston, Bobby Keys et Jim Price. La chanson a reçu les éloges de plusieurs critiques musicaux; parmi ceux-ci, James Hunter de Rolling Stone l'a décrit comme une performance "proto-disco fantasmagorique" par "un orchestre de rock enregistré avec sensibilité et dents et des micros lointains". Depuis la mort de Harrison en novembre 2001, les paroles ont reçu une reconnaissance supplémentaire en tant que commentaire sur la nature de l'existence humaine. La chanson a été interprétée dans le style jazz par le guitariste américain Joel Harrison et comme morceau grunge par le groupe Black Rebel Motorcycle Club.
Art of_East_Asia/Art de l'Asie de l'Est :
L'art d'Asie de l'Est comprend : l'art chinois l'art japonais l'art coréen
Art of_El_Greco/Art du Greco :
El Greco (1541-1614) était un éminent peintre, sculpteur et architecte actif pendant la Renaissance espagnole. Il est devenu un artiste si unique qu'il n'appartient à aucune école conventionnelle. Son style dramatique et expressionniste a suscité la perplexité de ses contemporains mais a acquis une nouvelle appréciation au XXe siècle. Il est surtout connu pour ses corps et ses poitrines allongés de manière tortueuse sur les personnages et sa pigmentation souvent fantastique ou fantasmagorique, mariant les traditions byzantines à celles de la civilisation occidentale. À propos d'El Greco, Hortensio Félix Paravicino, prédicateur et poète espagnol du XVIIe siècle, a déclaré: "La Crète lui a donné la vie et le métier de peintre, Tolède une meilleure patrie, où par la mort il a commencé à atteindre la vie éternelle." Selon l'auteur Liisa Berg, Paravacino a révélé en quelques mots deux facteurs principaux qui définissent le moment où un grand artiste obtient l'appréciation qu'il mérite : personne n'est prophète dans son pays natal et c'est souvent rétrospectivement que son travail acquiert sa véritable appréciation et sa valeur. .
Art of_Eternity/Art de l'éternité :
Art of Eternity est une série de 3 documentaires d'une heure sur l'art chrétien présentée par Andrew Graham-Dixon. Il a été diffusé pour la première fois sur BBC Four en 2007, puis répété sur BBC Two.
Art_d'Europe/Art d'Europe :
L'art d'Europe, ou art occidental, englobe l'histoire des arts visuels en Europe. L'art préhistorique européen a commencé comme la peinture rupestre et rupestre mobile du Paléolithique supérieur et l'art des pétroglyphes et était caractéristique de la période entre le Paléolithique et l'âge du fer. Les histoires écrites de l'art européen commencent souvent par l'art de l'ancien Israël et des anciennes civilisations égéennes, datant du 3e millénaire avant notre ère. Parallèlement à ces cultures importantes, l'art d'une forme ou d'une autre existait dans toute l'Europe, partout où il y avait des gens, laissant des signes tels que des sculptures, des artefacts décorés et d'énormes pierres dressées. Cependant, un modèle cohérent de développement artistique en Europe ne devient clair qu'avec l'art de la Grèce antique, adopté et transformé par Rome et porté; avec l'Empire romain, dans une grande partie de l'Europe, de l'Afrique du Nord et de l'Asie occidentale. réémergent à la Renaissance, souffrent d'une période de ce que certains historiens de l'art primitifs considéraient comme une "décomposition" pendant la période baroque, pour réapparaître sous une forme raffinée dans le néo-classicisme et renaître dans le post-modernisme.Avant les années 1800, le L'église chrétienne a eu une influence majeure sur l'art européen, les commissions de l'Église, architecturales, picturales et sculpturales, fournissant la principale source de travail pour les artistes. L'histoire de l'Église s'est beaucoup reflétée dans l'histoire de l'art, durant cette période. Au cours de la même période, il y a eu un regain d'intérêt pour les héros et les héroïnes, les contes de dieux et de déesses mythologiques, les grandes guerres et les créatures bizarres qui n'étaient pas liées à la religion. La plupart des œuvres d'art des 200 dernières années ont été produites sans référence à la religion et souvent sans aucune idéologie particulière, mais l'art a souvent été influencé par des questions politiques, qu'elles reflètent les préoccupations des mécènes ou de l'artiste. L'art européen est organisé en un certain nombre de périodes stylistiques qui, historiquement, se chevauchent à mesure que différents styles fleurissent dans différents domaines. En gros, les périodes sont la peinture classique, byzantine, médiévale, gothique, Renaissance, baroque, rococo, néoclassique, moderne, postmoderne et nouvelle européenne.
Art_du_combat/Art du combat :
Art of Fighting ( japonais :龍 虎 の 拳, Hepburn : Ryūko no Ken , allumé "Fist of Dragon and Tiger") est une trilogie de jeux vidéo de combat qui a été publiée pour la plate-forme Neo Geo au début des années 1990. Il s'agissait de la deuxième franchise de jeux de combat créée par SNK, après la série Fatal Fury, et se déroule dans le même univers fictif qu'une préquelle de la série Fatal Fury. L'original Art of Fighting est sorti en 1992, suivi de deux suites : Art of Fighting 2 (龍虎の拳2, Ryūko no Ken 2) en 1994 et Art of Fighting 3 : The Path of the Warrior (ART OF FIGHTING 龍虎の拳外伝, Art of Fighting: Ryūko no Ken Gaiden) en 1996.
Art of_Fighting_ (groupe)/Art of Fighting (groupe) :
Art of Fighting est un groupe de rock indépendant originaire de Melbourne, en Australie. Ils ont remporté le prix ARIA du meilleur album alternatif pour adultes en 2001 pour leur album Wires.
Art of_Fighting_(homonymie)/Art of Fighting (homonymie) :
Art of Fighting est une série de jeux vidéo sortis dans les années 1990. Il peut également faire référence à: Art of Fighting, une émission spéciale animée basée sur le premier jeu vidéo Art of Fighting (groupe), un groupe de rock indépendant australien Art of Fighting (film), un film sud-coréen Art of Fighting Anthology, une vidéo compilation de jeux de la série Art of Fighting pour PlayStation 2
Art of_Fighting_(film)/Art of Fighting (film):
Art of Fighting ( coréen : 싸움의 기술 ; RR : Ssaum-ui gisul ) est une comédie dramatique d'action sud-coréenne de 2006 co-écrite et réalisée par Shin Han-sol . Le film est sorti dans les salles coréennes le 5 janvier 2006 et avait 1 313 727 billets dans tout le pays.
Art of_Francisco_Narv%C3%A1ez_in_the_University_City_of_Caracas/Art de Francisco Narváez dans la ville universitaire de Caracas :
Francisco Narváez a été chargé de créer des pièces pour le campus de la ville universitaire de Caracas en 1949, travaillant initialement entre 1950 et 1953, avec d'autres pièces (pour un total de douze) ajoutées plus tard. Les œuvres d'art comprennent des statues en pierre et en métal, des bustes, des reliefs et divers matériaux de peintures murales. Trois des statues sont en pierre de Cumarebo : El Atleta, une grande statue dans le complexe sportif, et La educación et La ciencia dans le complexe médical. La pierre Cumarebo est un matériau de prédilection de Narváez. Deux sculptures du célèbre docteur José Gregorio Hernández et du président José María Vargas ornent le campus. Trois des peintures murales se trouvent également dans le complexe médical et ont été les premières œuvres d'art à être installées sur le campus; leur imagerie mêle science et religion. Onze des œuvres sont considérées comme faisant partie du musée vivant du campus; l'autre, un buste en bois appelé Torso, a été créé en 1956 et est actuellement exposé dans le bureau du doyen de la Faculté d'architecture et d'urbanisme (FAU). Narváez travaille dans divers matériaux, avec un style artistique basé sur sa propre identité vénézuélienne ainsi qu'influencé par les modes européennes et les sculptures classiques de l'Antiquité, de son milieu parisien. L'artiste avait déjà travaillé à plusieurs reprises avec l'architecte du campus Carlos Raúl Villanueva, créant un art public reflétant les problèmes sociaux contemporains. Les collaborations des deux montrent l'évolution de l'art moderniste dans le pays. Dans le cadre d'un site du patrimoine mondial, plusieurs efforts de conservation ont eu lieu, avec un groupe dédié à la préservation des œuvres d'art du campus de Narváez; les derniers plans de restauration, en 1999 et 2000, n'ont pas été entrepris faute de fonds.

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